La figura de Anthony Braxton, filósofo e instrumentista de vientos quien ha incursionado en los sonidos de la Flauta traversa, el clarinete y casi todas las voces del saxofón, es la figura central de la emisión del 29 de enero en Tránsitos y Transiciones.
Anthony Braxton Richard Teitelbaum Duo part 1
Anthony Braxton Quartet Spain 1983
Braxton, quien en su trabajo intelectual ha trasegado por múltiples temáticas, que rondan el sincretismo religioso del áfrica,o la literatura universal. Braxton, quien en sus propias palabras ha declarado: “No hago jazz, tampoco música clásica,
hago mi música, que está entre el jazz y la música clásica, y entre la izquierda y la derecha”, se define por un camino más bien ecléctico en el que se mezclan diferentes estilos, que se definen asimismo en una sonoridad vanguardista que el propio Wynton Marsalis califica como propia de 'un músico que no hace estrictamente música de jazz', y que para algunos se encuentra más cerca a artistas como John Cage o Stockhausen.
martes, 10 de febrero de 2009
martes, 23 de diciembre de 2008
"Son de Negro"
Rememoramos el bien logrado álbum “Son de negro – la música del canal del dique” es la producción discográfica lograda en el 2004 y presentada en 2007 en Bogotá por la Corporación para la Investigación Etnomusical desde la Universidad del Atlántico en Barranquilla, Colombia, bajo la dirección de Manuel Antonio “Toño” Pérez.
La danza del son de negro es un compendio de lenguajes artísticos, con sentido mágico religioso y desde el comienzo hizo parte de los rituales en las fiestas de cabildo e involucra el elemento plástico en elaboración artesanal de adornos y atuendos, los sombreros de los campesinos adornados con papeles de colores vivos y la preparación del tinte negro que se untan en el cuerpo como un rito a la vida y a la danza; esta danza también representa el trabajo pesquero, el agrícola y la cacería.
El “son de negro” como lo explica la presentación del álbum “Concierto Son de negro - La música del canal del Dique”, significa música, ritmo y movimiento dancístico al son y al compás de líneas melódicas en la que confluyen los antiguos “bailes cantao”, es decir: cantar, percutir y danzar en un mismo marco de festejo y de planimetría coreográfica. El son de negro es un género musical acompañado de la danza es de tradición oral e históricamente se remonta a los cabildos negros que se formaron en la provincia de Cartagena en el siglo xvi durante el período de colonización. La mayor característica de la danza y la música la recibe de los pobladores de los pobladores del Congo que se posesionan en Tierradentro hoy día Departamento del Atlántico.
El son de negro contempla tres momentos o versiones en música y coreografía donde la primera abierta es un saludo de invitación “cabildo abierto” o “preámbulo” “baile callejero o saludo musical con ritmos de llamado o cabildo”, de carácter satírico es un baile lúdico que recrea el espíritu del danzante. La segunda versión corresponde a la llegada o reposo en el sitio mismo de la fiesta; el intérprete del tambor propone repiques, revuelos y trabas para comunicarse con los que conversan a modo de piquería; se propone un sistema de pregunta y respuesta. La tercera versión es la salida o despedida forzosa que es la recapitulación donde se retoma el tema inicial y se concluye a gusto de los danzantes y de los músicos.
Desde la 98.5 f.m. de U.N. Radio dedicamos esta emisión de fin de año de TRÁNSITOS Y TRANSICIONES a la música del caribe colombiano a través de las voces, coros y palmas de Manuela Torres, Alejandrina Matute, Etelvina Escorcia o Graciela Salgado, entre muchos otros músicos convocados por la “Corporación son de negro” y el grupo de Investigación Música, Cultura y tradición de la Universidad del Atlántico”; la dirección artística, arreglos y textos fue hecha por Manuel Antonio Pérez Herrera. Los músicos de planta involucrados en el álbum “Concierto Son De Negro – La música del canal del Dique” son en las voces masculinas y coros: Catalino Vásquez, César, Eliú y Orlando Olivo. Agustín Torres y Eutimio Mendoza en el tambor alegre, Rafael Sarmiento en la guacharaca, Eliu Olivo en el llamador y la tambora, y Yacenqui Valencia en el tambor llamador y guacharaca.
El baile hace remembranza a una danza con sentido figurado en los espacios planimétricos y coreográficos y con figuras que expresan posición erguida, de lado, agachado y la buena coordinación de cadera y resistencia, es un ritual a la vida, con gran colorido en los accesorios que llevan los danzarines, con vestidos sofisiticados las mujeres calzan sandalias y llevan flores adornando su cabello mientras los hombres las cortejan con gestos pícaros y de coquetería llevan sus cuerpos semidesnudos y untados de una mezcla de carbón y aceite. Esta danza enraizada en el canal del Dique hace honor a la raza negra africana y no desconoce el aporte indígena y europeo.
Con el álbum “Concierto Son de Negro – La música del Canal del Dique” bajo la dirección de Manuel Antonio Pérez Herrera, nos despedimos de una nueva entrega de TRÁNSITOS Y TRANSICIONES. Para mayor información sobre este proyecto de investigación pueden consultar su página www.corporacionsondenegro.org o escribir al correo electrónico sondenegro@hotmail.com.
La danza del son de negro es un compendio de lenguajes artísticos, con sentido mágico religioso y desde el comienzo hizo parte de los rituales en las fiestas de cabildo e involucra el elemento plástico en elaboración artesanal de adornos y atuendos, los sombreros de los campesinos adornados con papeles de colores vivos y la preparación del tinte negro que se untan en el cuerpo como un rito a la vida y a la danza; esta danza también representa el trabajo pesquero, el agrícola y la cacería.
El “son de negro” como lo explica la presentación del álbum “Concierto Son de negro - La música del canal del Dique”, significa música, ritmo y movimiento dancístico al son y al compás de líneas melódicas en la que confluyen los antiguos “bailes cantao”, es decir: cantar, percutir y danzar en un mismo marco de festejo y de planimetría coreográfica. El son de negro es un género musical acompañado de la danza es de tradición oral e históricamente se remonta a los cabildos negros que se formaron en la provincia de Cartagena en el siglo xvi durante el período de colonización. La mayor característica de la danza y la música la recibe de los pobladores de los pobladores del Congo que se posesionan en Tierradentro hoy día Departamento del Atlántico.
El son de negro contempla tres momentos o versiones en música y coreografía donde la primera abierta es un saludo de invitación “cabildo abierto” o “preámbulo” “baile callejero o saludo musical con ritmos de llamado o cabildo”, de carácter satírico es un baile lúdico que recrea el espíritu del danzante. La segunda versión corresponde a la llegada o reposo en el sitio mismo de la fiesta; el intérprete del tambor propone repiques, revuelos y trabas para comunicarse con los que conversan a modo de piquería; se propone un sistema de pregunta y respuesta. La tercera versión es la salida o despedida forzosa que es la recapitulación donde se retoma el tema inicial y se concluye a gusto de los danzantes y de los músicos.
Desde la 98.5 f.m. de U.N. Radio dedicamos esta emisión de fin de año de TRÁNSITOS Y TRANSICIONES a la música del caribe colombiano a través de las voces, coros y palmas de Manuela Torres, Alejandrina Matute, Etelvina Escorcia o Graciela Salgado, entre muchos otros músicos convocados por la “Corporación son de negro” y el grupo de Investigación Música, Cultura y tradición de la Universidad del Atlántico”; la dirección artística, arreglos y textos fue hecha por Manuel Antonio Pérez Herrera. Los músicos de planta involucrados en el álbum “Concierto Son De Negro – La música del canal del Dique” son en las voces masculinas y coros: Catalino Vásquez, César, Eliú y Orlando Olivo. Agustín Torres y Eutimio Mendoza en el tambor alegre, Rafael Sarmiento en la guacharaca, Eliu Olivo en el llamador y la tambora, y Yacenqui Valencia en el tambor llamador y guacharaca.
El baile hace remembranza a una danza con sentido figurado en los espacios planimétricos y coreográficos y con figuras que expresan posición erguida, de lado, agachado y la buena coordinación de cadera y resistencia, es un ritual a la vida, con gran colorido en los accesorios que llevan los danzarines, con vestidos sofisiticados las mujeres calzan sandalias y llevan flores adornando su cabello mientras los hombres las cortejan con gestos pícaros y de coquetería llevan sus cuerpos semidesnudos y untados de una mezcla de carbón y aceite. Esta danza enraizada en el canal del Dique hace honor a la raza negra africana y no desconoce el aporte indígena y europeo.
Con el álbum “Concierto Son de Negro – La música del Canal del Dique” bajo la dirección de Manuel Antonio Pérez Herrera, nos despedimos de una nueva entrega de TRÁNSITOS Y TRANSICIONES. Para mayor información sobre este proyecto de investigación pueden consultar su página www.corporacionsondenegro.org o escribir al correo electrónico sondenegro@hotmail.com.
lunes, 5 de mayo de 2008
Marcus Miller - Scoop
Una muestra de la experticia en técnicas percutidas del buen bajista MARCUS MILLER
viernes, 25 de enero de 2008
Oscar Peterson [Night time] - A Night in Vienna
la entrada de OSCAR PETERSON su concierto "A Night in Vienna", no puede ser más acertada en este preciso momento: una obra propia titulada "REQUIEM"
HOMENAJE A OSCAR PETERSON
En TRÁNSITOS Y TRANSICIONES del viernes 25 de enero, homenaje al pianista canadiense OSCAR PETERSON, fallecido el pasado 23 de diciembre de 2007.
Quizá uno de los últimos conciertos del pianista OSCAR PETERSON tuvo lugar en el teatro Musikverein de la ciudad de Viena, el viernes 21 de noviembre de 2003 y fue llamado “a Night in Vienna”
En conmemoración suya y a tan solo un mes de su fallecimiento, TRÁNSITOS Y TRANSICIONES programará hoy viernes 25 de enero a las 2:00 de la tarde, un espacial con notas biográficas del grandioso músico y una selección del magnífico concierto publicado por el sello Verve. En este concierto OSCAR PETERSON actuó con el baterista Martin Drew, el guitarrista Ulf Wakenius y el bajista Niels Pedersen. De ochenta y dos años de edad, PETERSON fue uno de los pianistas más prolíficos del siglo veinte en el campo del jazz y su estilo fue formado principalmente durante los años 40 al igual que otros pianistas como Errol Garner y George Shearing, y aunque su estilo oscila primordialmente entre el swing y el bop, la totalidad de su producción se engloba dentro de la tendencia del jazz tradicional.
Luego de sufrir un accidente en 1993 que lo dejó fuera de la escena durante dos años y regresar a los escenarios con la mano izquierda afectada, OSCAR PETERSON padecía una afección renal y su deceso tuvo lugar la víspera de la navidad pasada en su casa de Mississauga, provincia de Ontario. ”.
El apreciado pianista falleció este 23 de diciembre de 2007 y para conmemorar su vida y obra, varios músicos prominentes del ambiente jazzístico norteamericano se reunieron el 13 de enero de 2008 para interpretar composiciones del prolífico artista nacido en Montreal, el 15 de agosto de 1925 y quien desde hace tiempo era considerado uno de los pianistas más influyentes del siglo veinte dentro de su estilo.
Quizá uno de los últimos conciertos del pianista OSCAR PETERSON tuvo lugar en el teatro Musikverein de la ciudad de Viena, el viernes 21 de noviembre de 2003 y fue llamado “a Night in Vienna”
En conmemoración suya y a tan solo un mes de su fallecimiento, TRÁNSITOS Y TRANSICIONES programará hoy viernes 25 de enero a las 2:00 de la tarde, un espacial con notas biográficas del grandioso músico y una selección del magnífico concierto publicado por el sello Verve. En este concierto OSCAR PETERSON actuó con el baterista Martin Drew, el guitarrista Ulf Wakenius y el bajista Niels Pedersen. De ochenta y dos años de edad, PETERSON fue uno de los pianistas más prolíficos del siglo veinte en el campo del jazz y su estilo fue formado principalmente durante los años 40 al igual que otros pianistas como Errol Garner y George Shearing, y aunque su estilo oscila primordialmente entre el swing y el bop, la totalidad de su producción se engloba dentro de la tendencia del jazz tradicional.
Luego de sufrir un accidente en 1993 que lo dejó fuera de la escena durante dos años y regresar a los escenarios con la mano izquierda afectada, OSCAR PETERSON padecía una afección renal y su deceso tuvo lugar la víspera de la navidad pasada en su casa de Mississauga, provincia de Ontario. ”.
El apreciado pianista falleció este 23 de diciembre de 2007 y para conmemorar su vida y obra, varios músicos prominentes del ambiente jazzístico norteamericano se reunieron el 13 de enero de 2008 para interpretar composiciones del prolífico artista nacido en Montreal, el 15 de agosto de 1925 y quien desde hace tiempo era considerado uno de los pianistas más influyentes del siglo veinte dentro de su estilo.
OBRAS PROGRAMADAS DE OSCAR PETERSON
(EXTRAÍDAS DEL CONCIERTO EN DVD "A Night In Vienna" de 2003)
“REQUIEM” (Oscar Peterson)
“NIGHTIME” (Oscar Peterson)
“CAKEWALK” ” (Oscar Peterson)
“SATIN DOLL” (Duke Ellington y Billy Strayhorn)
SWEET GEORGIA BROWN” (Bernie, Casey y Pinkard)
“REQUIEM” (Oscar Peterson)
“NIGHTIME” (Oscar Peterson)
“CAKEWALK” ” (Oscar Peterson)
“SATIN DOLL” (Duke Ellington y Billy Strayhorn)
SWEET GEORGIA BROWN” (Bernie, Casey y Pinkard)
jueves, 30 de agosto de 2007
GREG ELLIS Y AZIM ALI CONFORMAN EL DUO VAS
El percusionista Greg Ellis y la vocalista Azam Ali comenzaron juntos a trabajar en 1995 para el proyecto musical que bautizaron VAS.El ensamble se define como un duo alternativo dentro de la World Music.
La agrupación VAS está compuesta por dos músicos de trayectoria y eventualmente convocan a algunos colegas para reforzar su propuesta. El percusionista norteamericano Greg Ellis y la vocalista persa Azam Ali consideran que su música traspasa las barreras étnicas, culturales y geográficas. La palabra VAS es la palabra del latín para designar la vasija.El proyecto se conformó casi de forma inmediata luego de que sus dos integrantes base coincidieran en el concierto Masters Musicians en la universidad de UCLA en 1995. Al siguiente día ya estaban ensayando y proyectando sus propias creaciones; fue un reconocimiento instantáneo, un intercambio de visiones particulares sobre la música lo cual les hizo en breve tiempo organizar un repertorio propio y firmar con el sello disquero de nombre NARADA. Los artistas presentaron este trabajo en 1995 con una muy bella carátula en la cual aparece una de las deidades más importantes de Oriente: la graciosa figura de Shiva, saltando y bailando alegre, como es su particularidad.
La agrupación VAS está compuesta por dos músicos de trayectoria y eventualmente convocan a algunos colegas para reforzar su propuesta. El percusionista norteamericano Greg Ellis y la vocalista persa Azam Ali consideran que su música traspasa las barreras étnicas, culturales y geográficas. La palabra VAS es la palabra del latín para designar la vasija.El proyecto se conformó casi de forma inmediata luego de que sus dos integrantes base coincidieran en el concierto Masters Musicians en la universidad de UCLA en 1995. Al siguiente día ya estaban ensayando y proyectando sus propias creaciones; fue un reconocimiento instantáneo, un intercambio de visiones particulares sobre la música lo cual les hizo en breve tiempo organizar un repertorio propio y firmar con el sello disquero de nombre NARADA. Los artistas presentaron este trabajo en 1995 con una muy bella carátula en la cual aparece una de las deidades más importantes de Oriente: la graciosa figura de Shiva, saltando y bailando alegre, como es su particularidad.
lunes, 20 de agosto de 2007
jueves, 16 de agosto de 2007
19 FESTIVAL DE JAZZ EN EL TEATRO LIBRE DE BOGOTÁ
TRÁNSITOS Y TRANSICIONES tendrá la oportunidad de llevarle a sus oyentes un cubrimimiento total del este magnífico y ya legendario evento de Jazz en Colombia. Por lo pronto esta sorpresa: uno de los invitados especiales. Muy pronto les enviaremos la programación total del trascendente encuentro.
José Heredia: Niño Josele (España)
Soy gitano, desciendo de una larga dinastía de tocaores almerienses. Nací en 1974, bueno, tengo, pocos y muchos años. Para un guitarrista flamenco la edad no existe, siempre estas aprendiendo.
“Paz es la carta de amor de Niño Josele a Bill Evans y a todos quienes se acerquen a una música que no tiene otra ambición que la de conmovernos con su belleza”, escribe Fernando Trueba sobre el nuevo álbum de Niño Josele. Paz es la guitarra de Niño Josele inspirada por el piano de Bill Evans.
“¿Qué es esa música tan bonita?”, dice Fernando Trueba que exclamó Niño Josele la primera vez que escuchó el piano de Bill Evans. Desde entonces, el guitarrista se sumergió en su música con tranquilidad, con esa serenidad que emana de la obra del pianista hasta hacerla suya en un largo y complejo aprendizaje, “reinventando la guitarra flamenca”, como escribió J.M. Martínez en El País.
Niño Josele nació en Almería en 1974. El guitarrista desciende de una larga dinastía de tocaores. Paz es un título consecuente con el hermanamiento entre Bill Evans y Niño Josele, como lo es con el álbum producido por Fernando Trueba y Javier Limón, fruto de un largo estudio, de una inmersión artesana del guitarrista en la música de uno de los grandes pianistas que ha dado el jazz.
www.guitarristajosele.com
“Paz es la carta de amor de Niño Josele a Bill Evans y a todos quienes se acerquen a una música que no tiene otra ambición que la de conmovernos con su belleza”, escribe Fernando Trueba sobre el nuevo álbum de Niño Josele. Paz es la guitarra de Niño Josele inspirada por el piano de Bill Evans.
“¿Qué es esa música tan bonita?”, dice Fernando Trueba que exclamó Niño Josele la primera vez que escuchó el piano de Bill Evans. Desde entonces, el guitarrista se sumergió en su música con tranquilidad, con esa serenidad que emana de la obra del pianista hasta hacerla suya en un largo y complejo aprendizaje, “reinventando la guitarra flamenca”, como escribió J.M. Martínez en El País.
Niño Josele nació en Almería en 1974. El guitarrista desciende de una larga dinastía de tocaores. Paz es un título consecuente con el hermanamiento entre Bill Evans y Niño Josele, como lo es con el álbum producido por Fernando Trueba y Javier Limón, fruto de un largo estudio, de una inmersión artesana del guitarrista en la música de uno de los grandes pianistas que ha dado el jazz.
www.guitarristajosele.com
martes, 12 de junio de 2007
RICHARD "Groove" HOLMES
Richard "Groove" Holmes (1931-1991) empezó su carrera profesional como pianista, pero tras escuchar tocar al gran organista, Jimmy Smith, adoptó el órgano Hammond como su instrumento. Fue descubierto para el jazz por el pianista de Soul, Les McCann.
En 1961, firma un contrato de larga duración con el sello "Pacific Jazz" y ese mismo año graba su primer disco titulado genéricamente "Groove" el apodo con que sería conocido para siempre. El disco fue un gran éxito y le acompañaban, el guitarrista George Freeman, el propio Les MacCann al piano, Tricky Lofton al trombón, a la batería, Ron jefferson y al saxo tenor el maestro Ben Webster.
En 1965, logró otro gran éxito con una nueva versión del tema "Misty" una melodía muy famosa compuesta por el pianista, Erroll Garner y que serviría para darle titulo a su nuevo álbum, esta vez para el sello, "Prestige". Holmes poseía una buena técnica y especialmente en el formato del trío: órgano-guitarra-batería. Era fácil tocar con el y sus compañeros de grupo siempre alababan su capacidad para dejar entrar a los demás instrumentos. Su "tempo" era perfecto y sus solos muy originales y creativos.
En 1961, firma un contrato de larga duración con el sello "Pacific Jazz" y ese mismo año graba su primer disco titulado genéricamente "Groove" el apodo con que sería conocido para siempre. El disco fue un gran éxito y le acompañaban, el guitarrista George Freeman, el propio Les MacCann al piano, Tricky Lofton al trombón, a la batería, Ron jefferson y al saxo tenor el maestro Ben Webster.
En 1965, logró otro gran éxito con una nueva versión del tema "Misty" una melodía muy famosa compuesta por el pianista, Erroll Garner y que serviría para darle titulo a su nuevo álbum, esta vez para el sello, "Prestige". Holmes poseía una buena técnica y especialmente en el formato del trío: órgano-guitarra-batería. Era fácil tocar con el y sus compañeros de grupo siempre alababan su capacidad para dejar entrar a los demás instrumentos. Su "tempo" era perfecto y sus solos muy originales y creativos.
LOU DONALDSON
Lou Donaldson, encarna con bastante fiabilidad, el tipo de instrumentista asociado a un sonido -el funk- y a un sello discográfico - Blue Note -. Donaldson es efectivamente, uno de los padres de ese sonido característico del jazz del último cuarto del siglo XX y su sonido está cálidamente enraizado en el blues. Si a ello se le une una magnifica capacidad técnica, y un dominio absoluto del saxo, podemos afirmar que Lou Donaldson, es uno de los grandes saxofonistas de jazz vivos en la actualidad y forma junto a estrellas consagradas del jazz como Art Blakey, Lee Morgan, o Horace Silver de la nomina de músicos estables de la Blue Note.
Su legado discográfico es abundante y afortunadamente, está siendo objeto de una amplia política de reediciones promovida por la Blue Note y en ellos es fácilmente comprobar como sus colaboraciones con los "Jazz Messengers" de Art Blakey o con el propio, Thelonious Monk son joyas musicales que perduran en el tiempo y en el recuerdo de los buenos aficionados. Tras una prolongada ausencia de la actualidad del jazz en los años ochenta y noventa, la recuperación de este músico en los últimos años del siglo XX y primeros años del presente, nos confirma que Donaldson vive una segunda etapa, mas creativa si cabe que la anterior, mas madura y mas lírica y son celebres sus colaboraciones con el organista, Jimmy Smith o el guitarrista, Grant Green
Su legado discográfico es abundante y afortunadamente, está siendo objeto de una amplia política de reediciones promovida por la Blue Note y en ellos es fácilmente comprobar como sus colaboraciones con los "Jazz Messengers" de Art Blakey o con el propio, Thelonious Monk son joyas musicales que perduran en el tiempo y en el recuerdo de los buenos aficionados. Tras una prolongada ausencia de la actualidad del jazz en los años ochenta y noventa, la recuperación de este músico en los últimos años del siglo XX y primeros años del presente, nos confirma que Donaldson vive una segunda etapa, mas creativa si cabe que la anterior, mas madura y mas lírica y son celebres sus colaboraciones con el organista, Jimmy Smith o el guitarrista, Grant Green
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