jueves, 30 de agosto de 2007
GREG ELLIS Y AZIM ALI CONFORMAN EL DUO VAS
El percusionista Greg Ellis y la vocalista Azam Ali comenzaron juntos a trabajar en 1995 para el proyecto musical que bautizaron VAS.El ensamble se define como un duo alternativo dentro de la World Music.
La agrupación VAS está compuesta por dos músicos de trayectoria y eventualmente convocan a algunos colegas para reforzar su propuesta. El percusionista norteamericano Greg Ellis y la vocalista persa Azam Ali consideran que su música traspasa las barreras étnicas, culturales y geográficas. La palabra VAS es la palabra del latín para designar la vasija.El proyecto se conformó casi de forma inmediata luego de que sus dos integrantes base coincidieran en el concierto Masters Musicians en la universidad de UCLA en 1995. Al siguiente día ya estaban ensayando y proyectando sus propias creaciones; fue un reconocimiento instantáneo, un intercambio de visiones particulares sobre la música lo cual les hizo en breve tiempo organizar un repertorio propio y firmar con el sello disquero de nombre NARADA. Los artistas presentaron este trabajo en 1995 con una muy bella carátula en la cual aparece una de las deidades más importantes de Oriente: la graciosa figura de Shiva, saltando y bailando alegre, como es su particularidad.
La agrupación VAS está compuesta por dos músicos de trayectoria y eventualmente convocan a algunos colegas para reforzar su propuesta. El percusionista norteamericano Greg Ellis y la vocalista persa Azam Ali consideran que su música traspasa las barreras étnicas, culturales y geográficas. La palabra VAS es la palabra del latín para designar la vasija.El proyecto se conformó casi de forma inmediata luego de que sus dos integrantes base coincidieran en el concierto Masters Musicians en la universidad de UCLA en 1995. Al siguiente día ya estaban ensayando y proyectando sus propias creaciones; fue un reconocimiento instantáneo, un intercambio de visiones particulares sobre la música lo cual les hizo en breve tiempo organizar un repertorio propio y firmar con el sello disquero de nombre NARADA. Los artistas presentaron este trabajo en 1995 con una muy bella carátula en la cual aparece una de las deidades más importantes de Oriente: la graciosa figura de Shiva, saltando y bailando alegre, como es su particularidad.
lunes, 20 de agosto de 2007
jueves, 16 de agosto de 2007
19 FESTIVAL DE JAZZ EN EL TEATRO LIBRE DE BOGOTÁ
TRÁNSITOS Y TRANSICIONES tendrá la oportunidad de llevarle a sus oyentes un cubrimimiento total del este magnífico y ya legendario evento de Jazz en Colombia. Por lo pronto esta sorpresa: uno de los invitados especiales. Muy pronto les enviaremos la programación total del trascendente encuentro.
José Heredia: Niño Josele (España)
Soy gitano, desciendo de una larga dinastía de tocaores almerienses. Nací en 1974, bueno, tengo, pocos y muchos años. Para un guitarrista flamenco la edad no existe, siempre estas aprendiendo.
“Paz es la carta de amor de Niño Josele a Bill Evans y a todos quienes se acerquen a una música que no tiene otra ambición que la de conmovernos con su belleza”, escribe Fernando Trueba sobre el nuevo álbum de Niño Josele. Paz es la guitarra de Niño Josele inspirada por el piano de Bill Evans.
“¿Qué es esa música tan bonita?”, dice Fernando Trueba que exclamó Niño Josele la primera vez que escuchó el piano de Bill Evans. Desde entonces, el guitarrista se sumergió en su música con tranquilidad, con esa serenidad que emana de la obra del pianista hasta hacerla suya en un largo y complejo aprendizaje, “reinventando la guitarra flamenca”, como escribió J.M. Martínez en El País.
Niño Josele nació en Almería en 1974. El guitarrista desciende de una larga dinastía de tocaores. Paz es un título consecuente con el hermanamiento entre Bill Evans y Niño Josele, como lo es con el álbum producido por Fernando Trueba y Javier Limón, fruto de un largo estudio, de una inmersión artesana del guitarrista en la música de uno de los grandes pianistas que ha dado el jazz.
www.guitarristajosele.com
“Paz es la carta de amor de Niño Josele a Bill Evans y a todos quienes se acerquen a una música que no tiene otra ambición que la de conmovernos con su belleza”, escribe Fernando Trueba sobre el nuevo álbum de Niño Josele. Paz es la guitarra de Niño Josele inspirada por el piano de Bill Evans.
“¿Qué es esa música tan bonita?”, dice Fernando Trueba que exclamó Niño Josele la primera vez que escuchó el piano de Bill Evans. Desde entonces, el guitarrista se sumergió en su música con tranquilidad, con esa serenidad que emana de la obra del pianista hasta hacerla suya en un largo y complejo aprendizaje, “reinventando la guitarra flamenca”, como escribió J.M. Martínez en El País.
Niño Josele nació en Almería en 1974. El guitarrista desciende de una larga dinastía de tocaores. Paz es un título consecuente con el hermanamiento entre Bill Evans y Niño Josele, como lo es con el álbum producido por Fernando Trueba y Javier Limón, fruto de un largo estudio, de una inmersión artesana del guitarrista en la música de uno de los grandes pianistas que ha dado el jazz.
www.guitarristajosele.com
martes, 12 de junio de 2007
RICHARD "Groove" HOLMES
Richard "Groove" Holmes (1931-1991) empezó su carrera profesional como pianista, pero tras escuchar tocar al gran organista, Jimmy Smith, adoptó el órgano Hammond como su instrumento. Fue descubierto para el jazz por el pianista de Soul, Les McCann.
En 1961, firma un contrato de larga duración con el sello "Pacific Jazz" y ese mismo año graba su primer disco titulado genéricamente "Groove" el apodo con que sería conocido para siempre. El disco fue un gran éxito y le acompañaban, el guitarrista George Freeman, el propio Les MacCann al piano, Tricky Lofton al trombón, a la batería, Ron jefferson y al saxo tenor el maestro Ben Webster.
En 1965, logró otro gran éxito con una nueva versión del tema "Misty" una melodía muy famosa compuesta por el pianista, Erroll Garner y que serviría para darle titulo a su nuevo álbum, esta vez para el sello, "Prestige". Holmes poseía una buena técnica y especialmente en el formato del trío: órgano-guitarra-batería. Era fácil tocar con el y sus compañeros de grupo siempre alababan su capacidad para dejar entrar a los demás instrumentos. Su "tempo" era perfecto y sus solos muy originales y creativos.
En 1961, firma un contrato de larga duración con el sello "Pacific Jazz" y ese mismo año graba su primer disco titulado genéricamente "Groove" el apodo con que sería conocido para siempre. El disco fue un gran éxito y le acompañaban, el guitarrista George Freeman, el propio Les MacCann al piano, Tricky Lofton al trombón, a la batería, Ron jefferson y al saxo tenor el maestro Ben Webster.
En 1965, logró otro gran éxito con una nueva versión del tema "Misty" una melodía muy famosa compuesta por el pianista, Erroll Garner y que serviría para darle titulo a su nuevo álbum, esta vez para el sello, "Prestige". Holmes poseía una buena técnica y especialmente en el formato del trío: órgano-guitarra-batería. Era fácil tocar con el y sus compañeros de grupo siempre alababan su capacidad para dejar entrar a los demás instrumentos. Su "tempo" era perfecto y sus solos muy originales y creativos.
LOU DONALDSON
Lou Donaldson, encarna con bastante fiabilidad, el tipo de instrumentista asociado a un sonido -el funk- y a un sello discográfico - Blue Note -. Donaldson es efectivamente, uno de los padres de ese sonido característico del jazz del último cuarto del siglo XX y su sonido está cálidamente enraizado en el blues. Si a ello se le une una magnifica capacidad técnica, y un dominio absoluto del saxo, podemos afirmar que Lou Donaldson, es uno de los grandes saxofonistas de jazz vivos en la actualidad y forma junto a estrellas consagradas del jazz como Art Blakey, Lee Morgan, o Horace Silver de la nomina de músicos estables de la Blue Note.
Su legado discográfico es abundante y afortunadamente, está siendo objeto de una amplia política de reediciones promovida por la Blue Note y en ellos es fácilmente comprobar como sus colaboraciones con los "Jazz Messengers" de Art Blakey o con el propio, Thelonious Monk son joyas musicales que perduran en el tiempo y en el recuerdo de los buenos aficionados. Tras una prolongada ausencia de la actualidad del jazz en los años ochenta y noventa, la recuperación de este músico en los últimos años del siglo XX y primeros años del presente, nos confirma que Donaldson vive una segunda etapa, mas creativa si cabe que la anterior, mas madura y mas lírica y son celebres sus colaboraciones con el organista, Jimmy Smith o el guitarrista, Grant Green
Su legado discográfico es abundante y afortunadamente, está siendo objeto de una amplia política de reediciones promovida por la Blue Note y en ellos es fácilmente comprobar como sus colaboraciones con los "Jazz Messengers" de Art Blakey o con el propio, Thelonious Monk son joyas musicales que perduran en el tiempo y en el recuerdo de los buenos aficionados. Tras una prolongada ausencia de la actualidad del jazz en los años ochenta y noventa, la recuperación de este músico en los últimos años del siglo XX y primeros años del presente, nos confirma que Donaldson vive una segunda etapa, mas creativa si cabe que la anterior, mas madura y mas lírica y son celebres sus colaboraciones con el organista, Jimmy Smith o el guitarrista, Grant Green
GRANT GREEN
Grant Green, (1931-1979) fue uno de los guitarristas emblemáticos del jazz funk de los años sesenta y uno de los músicos emblemáticos del sello Blue Note en ese instrumento. Tras sus inicios en diversas formaciones de jazz y de rhythm and blues, el saxofonista, Lou Donaldson, le introdujo en el legendario sello azul como solista y también de acompañante de músicos importantes de la época además del propio Donaldson como fueron: Stanley Turrentine, Lee Morgan, Herbie Hancok, o el organista, Jimmy Smith. Fue precisamente su habilidad para acompañar a diversos organistas de jazz como: Brother Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette o la extraordinaria, Gloria Coleman, lo que le abrió las puertas de la fama en el jazz y le convirtió en un reputado instrumenstista.
Su estilo a la guitarra es de una solidez rotunda y en su sonido resuenan con nitidez los ecos del bebop, del blues y también del soul, en una rica amalgama siempre ingeniosa y eficaz de la que en los últimos años se han apropiado numerosos músicos de Rap o de acid jazz. Sus serios problemas con la droga truncaron rápidamente su carrera en losa años setenta falleciendo al final e aquélla década con solo 48 años de edad. Grabó a pesar de su corta carreramas de una veintena de discos a su nombre siendo el mas popular de ellos eltitulado: "Idle Moments" grabado en 1963 para Blue Note.
Su estilo a la guitarra es de una solidez rotunda y en su sonido resuenan con nitidez los ecos del bebop, del blues y también del soul, en una rica amalgama siempre ingeniosa y eficaz de la que en los últimos años se han apropiado numerosos músicos de Rap o de acid jazz. Sus serios problemas con la droga truncaron rápidamente su carrera en losa años setenta falleciendo al final e aquélla década con solo 48 años de edad. Grabó a pesar de su corta carreramas de una veintena de discos a su nombre siendo el mas popular de ellos eltitulado: "Idle Moments" grabado en 1963 para Blue Note.
BOBBY HUTCHERSON
Escuchar al vibrafonista, Milt Jackson, miembro fundador del magnifico grupo "The Modern Jazz Quartet" despertó en Bobby Hutcherson (Los Ángeles, 1941) la pasión por el jazz y en particular por el vibráfono, instrumento del que se ha consagrado como un verdadero especialista. Antes había estudiado piano conducido por su hermano quien había tocado con Dexter Gordon y Eric Dolphy.
Su primer trabajo serio fue en 1960 con Curtis Amy y Charles Lloyd en California justo antes de llegar a New York en 1960. Nada mas llegar pudo tocar con el grupo de Al Grey, en el mítico club "Birdland" y el sello Blue Note, interesado como siempre en los músicos de calidad, le firmó un contrato para grabar discos siendo el primero de ellos editado en 1965 bajo el titulo de "Dialogue" un álbum que llegó a ser destacado como uno de los discos de la década por la prestigiosa revista, "Down Beat". La relación de Bobby Hutcherson, con Blue Note, duró hasta 1977 de forma ininterrumpida grabando cerca de una veintena de discos. Tuvo asimismo la oportunidad de grabar con artistas del sello una serie de discos espléndidos y sobre todo estuvo junto a Eric Dolphy en la grabación de una obra maestra del jazz moderno titulada "Out to Lunch" en 1964.
Años mas tarde, Hutcherson formó su propio grupo, utilizando para el jazz la marimba y asumiendo un enfoque mas convencional en el que la delicadeza del detalle trascendía su repertorio. En el quinteto que formó con Woody Shaw, como principal instrumentista, se presentó en el Festival de jazz de Montreux (Live in Montreux, 1974). Ficha por el sello Columbia donde graba dos discos en 1978 y 1979 y todavía hoy permanece en activo.
Su primer trabajo serio fue en 1960 con Curtis Amy y Charles Lloyd en California justo antes de llegar a New York en 1960. Nada mas llegar pudo tocar con el grupo de Al Grey, en el mítico club "Birdland" y el sello Blue Note, interesado como siempre en los músicos de calidad, le firmó un contrato para grabar discos siendo el primero de ellos editado en 1965 bajo el titulo de "Dialogue" un álbum que llegó a ser destacado como uno de los discos de la década por la prestigiosa revista, "Down Beat". La relación de Bobby Hutcherson, con Blue Note, duró hasta 1977 de forma ininterrumpida grabando cerca de una veintena de discos. Tuvo asimismo la oportunidad de grabar con artistas del sello una serie de discos espléndidos y sobre todo estuvo junto a Eric Dolphy en la grabación de una obra maestra del jazz moderno titulada "Out to Lunch" en 1964.
Años mas tarde, Hutcherson formó su propio grupo, utilizando para el jazz la marimba y asumiendo un enfoque mas convencional en el que la delicadeza del detalle trascendía su repertorio. En el quinteto que formó con Woody Shaw, como principal instrumentista, se presentó en el Festival de jazz de Montreux (Live in Montreux, 1974). Ficha por el sello Columbia donde graba dos discos en 1978 y 1979 y todavía hoy permanece en activo.
miércoles, 23 de mayo de 2007
ESPECIALES DE NATACHA ATLAS
Los mas recientes programas de TRÁNSITOS han sido dedicados a esta bella y brillante artista.
Natacha Atlas nació en Bélgica, aunque sus antepasados provienen del lejano oriente (Egipto, Palestina y Marruecos). Ha pasado la mitad de su vida viajando alrededor del mundo, viviendo en Bruselas, Egipto, Grecia e Inglaterra, lo que ha influido claramente en su música.
La primera noticia de Atlas en el mundo de la música fue como cantante de un club llamado !Loca¡, donde se introdujo en el círculo Jah Wobble, cantando y co-escribiendo para sus recién formados Invaders of the Heart. (Recientemente ha vuelto a trabajar con Wobble, en el disco de 2002 Wobble/Temple of Sound Shout At The Devil). También conoció a Transglobal Underground, el colectivo multicultural londinense que se han convertido a la larga en visionarios del fenómeno “world dance” mezclando electrónica, dub, hip-hop y funk con formas musicales provenientes de India, Africa y Oriente Medio. Al principio, como invitada en el 91, se convirtió en miembro del cuarteto vocal en el 93, como cantante principal y bailarina del vientre (el verdadero raq sharki).
Un par de años después, fue la banda de Tim Whelan, Hamid ManTu y Nick Page (a.k.a. Count Dubulah, ahora Temple of Sound) quienes la ayudaron en su disco en solitario, Diaspora. Paralelamente, aparte de su éxito en solitario era miembro permanente de Transgrobal, y la propia banda hacía de su banda de acompañamiento hasta que abandonaron Nation en el 99, aunque han seguido siendo aliados a lo largo de sus carreras. Diaspora se publicó en 1995 en el sello Mantra. Combinado con el punto de vista global dubby y rítmico de Transglobal con al trabajo más tradicional de los músicos árabes, y el resultado fue una colección de canciones de amor y viajes aclamada por la prensa. Halim, su disco de 1997 fue la continuación, y más tarde Gedida en el 99, y en ambos la inteligente y natural mezcla de estilos orientales y europeos a un mismo tiempo, deleitando e incrementando el número de oyentes en ambos continentes.
En 2000 se editó The Remix Collection, en el que varios temas de sus tres discos fueron remezclados por gente tan dispar como Talvin Singh, Banco de Gaia, Youth, 16B, Klute, the Bullitnuts, TJ Rehmi, Spooky Y los Transglobals. El cuarto disco de Natacha, Ayeshteni se editó al año siguiente. El disco de 2002, el proyecto The Natacha Atlas & Marc Eagleton Foretold In The Language Of Dreams, fue un punto de inflexión. Ni un ritmo, un disco calmado y brillante, con unos colaboradores desconocidos, como Syrian qanun Abdullah Chhadeh, con quién Natacha se casó en 1999.
Aparte de sus propios proyectos, Natacha ha sido invitada especial en innumerables discos de innumerables artistas Nitin Sawhney, Jocelyn Pook, the Indigo Girls, FunDaMental, Ghostland, Abdel Ali Slimani, Toires, !Loca¡, Musafir, Sawt El Atlas, Franco Battiato, Juno Reactor, Dhol Foundation, Jah Wobble, Jaz Coleman, Apache Indian (on his chart hit Arranged Marriage), Mick Karn, el espectáculo de la Noche del Milenio creado por Jean-Michel Jarre, en la nueva película de Jonathan Demme
Natacha Atlas - Ayestemi
The Truth About Charlie, y en bandas sonoras para las películas de David Arnold Stargate y Die Another Day.
La primera noticia de Atlas en el mundo de la música fue como cantante de un club llamado !Loca¡, donde se introdujo en el círculo Jah Wobble, cantando y co-escribiendo para sus recién formados Invaders of the Heart. (Recientemente ha vuelto a trabajar con Wobble, en el disco de 2002 Wobble/Temple of Sound Shout At The Devil). También conoció a Transglobal Underground, el colectivo multicultural londinense que se han convertido a la larga en visionarios del fenómeno “world dance” mezclando electrónica, dub, hip-hop y funk con formas musicales provenientes de India, Africa y Oriente Medio. Al principio, como invitada en el 91, se convirtió en miembro del cuarteto vocal en el 93, como cantante principal y bailarina del vientre (el verdadero raq sharki).
Un par de años después, fue la banda de Tim Whelan, Hamid ManTu y Nick Page (a.k.a. Count Dubulah, ahora Temple of Sound) quienes la ayudaron en su disco en solitario, Diaspora. Paralelamente, aparte de su éxito en solitario era miembro permanente de Transgrobal, y la propia banda hacía de su banda de acompañamiento hasta que abandonaron Nation en el 99, aunque han seguido siendo aliados a lo largo de sus carreras. Diaspora se publicó en 1995 en el sello Mantra. Combinado con el punto de vista global dubby y rítmico de Transglobal con al trabajo más tradicional de los músicos árabes, y el resultado fue una colección de canciones de amor y viajes aclamada por la prensa. Halim, su disco de 1997 fue la continuación, y más tarde Gedida en el 99, y en ambos la inteligente y natural mezcla de estilos orientales y europeos a un mismo tiempo, deleitando e incrementando el número de oyentes en ambos continentes.
En 2000 se editó The Remix Collection, en el que varios temas de sus tres discos fueron remezclados por gente tan dispar como Talvin Singh, Banco de Gaia, Youth, 16B, Klute, the Bullitnuts, TJ Rehmi, Spooky Y los Transglobals. El cuarto disco de Natacha, Ayeshteni se editó al año siguiente. El disco de 2002, el proyecto The Natacha Atlas & Marc Eagleton Foretold In The Language Of Dreams, fue un punto de inflexión. Ni un ritmo, un disco calmado y brillante, con unos colaboradores desconocidos, como Syrian qanun Abdullah Chhadeh, con quién Natacha se casó en 1999.
Aparte de sus propios proyectos, Natacha ha sido invitada especial en innumerables discos de innumerables artistas Nitin Sawhney, Jocelyn Pook, the Indigo Girls, FunDaMental, Ghostland, Abdel Ali Slimani, Toires, !Loca¡, Musafir, Sawt El Atlas, Franco Battiato, Juno Reactor, Dhol Foundation, Jah Wobble, Jaz Coleman, Apache Indian (on his chart hit Arranged Marriage), Mick Karn, el espectáculo de la Noche del Milenio creado por Jean-Michel Jarre, en la nueva película de Jonathan Demme
Natacha Atlas - Ayestemi
The Truth About Charlie, y en bandas sonoras para las películas de David Arnold Stargate y Die Another Day.
martes, 15 de mayo de 2007
Natacha Atlas - Amulet
Mientras esperamos dos nuevas entregas especiales sobre Natacha Atlas, disfrutaremos de su graciosa presencia en este video.
OLATUNJI BABTUNDE Y OTROS "MAESTROS" DE LOS TAMBORES CONTENIDOS EN EL ÁLBUM "MONDO BEAT - MASTERS OF PERCUSSION"
Por John Chistopher (traducido y adaptado por Rafael Serrano)
“El ritmo es el alma de la vida. El universo entero gira en torno al ritmo. Todas las cosas y cada acción humana involucra al ritmo”.
OlatunjiBabatunde Olatunji es llamado "Master of Drums," (“Maestro de los Tambores”) pues se trata de un virtuoso de la percusión proveniente del oriente africano. Olatunji nació y creció en Nigeria, pero recibió formación educativa en el Morehouse College en Atlanta y en la New York University Graduate School. En el Colegio de Morehouse él comezó a tocar de manera informal entreteniendo con sus habilidades a algunos de los estudiantes, pero como su interés por la música incrementó y comenzó a ser requerido por su entorno, se dedicó por completo al campo de la música, como profesional.
En 1959, el sello Columbia Records produjo el primer álbum de Olatunji, “Drums of Passion”, el cual llegó a ser un trabajo sin precedentes y de gran impacto a nivel mundial. Este fue el primer álbum que trajo genuina música africana hasta los oídos occidentales; este trabajo vendió mas de cinco millones de copias. Olatunji recorrió el mundo durante mas de cuarenta años, esparciendo la música y la cultura africanas. Treinta años atrás Olatunji fundó el Center of African Culture en el corazón de Harlem y fue miembro de facultades como la del Esalen Institute en Big Sur, California o la del Omega Institute en Rhinebeck, New York durante casi15 years. En esas instituciones, al mismo tiempo que ofreció un innumerable grupo de talleres y festivals, Olatunji continuó en su fuerte persistencia de expandir el interés en el conocimiento de la cultura africana a través de la enseñanaza de las danzas, los cantos y la percusión tradicional, en clases dirigidas tanto a adultos como a jóvenes.
Olatunji recibió un premio Grammy en el año de 1991 por su colaboración con el baterista de la banda de rock Grateful Dead el señor Mickey Hart para su álbum “Planet Drum”.Sumado a ello, su composición "Jingo Lo Ba" llegó a ser un tema emblemático en la banda del guitarrista Carlos Santana. Olatunji escribió también música para producciones de Broadway y Hollywood, incluyendo la música para la película dirigida por Spike Lee: “She's Gotta Have It”.
En 1997, Chesky Records produjo “Love Drum Talk”, el cual estuvo nominado al Grammy en 1998 dentro de la categoría de mejor álbum de World Music. En ello demostró Olatunji una vez mas su gran pasión por el ritmo. Poco tiempo antes de su muerte, Olatunji seguía de dedicado a los diferentes quehaceres de la enseñanza musical, incluyendo los ensambles con diferentes instrumentistas, procurando inspirarlos a través de una serie de meditaciones sobre la naturaleza del amor. Lujuria, sensualidad, tradición y espiritualidad son temas que Olatunji Babatunde culti´vo dentro de su valiosa y contagiosa manera de tocar los tambores.
“El ritmo es el alma de la vida. El universo entero gira en torno al ritmo. Todas las cosas y cada acción humana involucra al ritmo”.
OlatunjiBabatunde Olatunji es llamado "Master of Drums," (“Maestro de los Tambores”) pues se trata de un virtuoso de la percusión proveniente del oriente africano. Olatunji nació y creció en Nigeria, pero recibió formación educativa en el Morehouse College en Atlanta y en la New York University Graduate School. En el Colegio de Morehouse él comezó a tocar de manera informal entreteniendo con sus habilidades a algunos de los estudiantes, pero como su interés por la música incrementó y comenzó a ser requerido por su entorno, se dedicó por completo al campo de la música, como profesional.
En 1959, el sello Columbia Records produjo el primer álbum de Olatunji, “Drums of Passion”, el cual llegó a ser un trabajo sin precedentes y de gran impacto a nivel mundial. Este fue el primer álbum que trajo genuina música africana hasta los oídos occidentales; este trabajo vendió mas de cinco millones de copias. Olatunji recorrió el mundo durante mas de cuarenta años, esparciendo la música y la cultura africanas. Treinta años atrás Olatunji fundó el Center of African Culture en el corazón de Harlem y fue miembro de facultades como la del Esalen Institute en Big Sur, California o la del Omega Institute en Rhinebeck, New York durante casi15 years. En esas instituciones, al mismo tiempo que ofreció un innumerable grupo de talleres y festivals, Olatunji continuó en su fuerte persistencia de expandir el interés en el conocimiento de la cultura africana a través de la enseñanaza de las danzas, los cantos y la percusión tradicional, en clases dirigidas tanto a adultos como a jóvenes.
Olatunji recibió un premio Grammy en el año de 1991 por su colaboración con el baterista de la banda de rock Grateful Dead el señor Mickey Hart para su álbum “Planet Drum”.Sumado a ello, su composición "Jingo Lo Ba" llegó a ser un tema emblemático en la banda del guitarrista Carlos Santana. Olatunji escribió también música para producciones de Broadway y Hollywood, incluyendo la música para la película dirigida por Spike Lee: “She's Gotta Have It”.
En 1997, Chesky Records produjo “Love Drum Talk”, el cual estuvo nominado al Grammy en 1998 dentro de la categoría de mejor álbum de World Music. En ello demostró Olatunji una vez mas su gran pasión por el ritmo. Poco tiempo antes de su muerte, Olatunji seguía de dedicado a los diferentes quehaceres de la enseñanza musical, incluyendo los ensambles con diferentes instrumentistas, procurando inspirarlos a través de una serie de meditaciones sobre la naturaleza del amor. Lujuria, sensualidad, tradición y espiritualidad son temas que Olatunji Babatunde culti´vo dentro de su valiosa y contagiosa manera de tocar los tambores.
LISTADO DE OBRAS PRESENTADAS DEL ÁLBUM "MONDO BEAT MASTERS OF PERCUSSION"
“Orere” Olatunji Babatunde
“Kerwa” Nuthu Lal Solinkey
“Udu Chant” Mickey Hart
“The Friendly Jungle” Ed Mann y Brian Hand
“Zahrafat Al Said” The Musicians of The Nile
“Minus One” Greg Ellis
“Buckwheat Revenge” Brent Lewis
“Dom Um” Airto Moreira
“Ijeilu” James Asher
“Kerwa” Nuthu Lal Solinkey
“Udu Chant” Mickey Hart
“The Friendly Jungle” Ed Mann y Brian Hand
“Zahrafat Al Said” The Musicians of The Nile
“Minus One” Greg Ellis
“Buckwheat Revenge” Brent Lewis
“Dom Um” Airto Moreira
“Ijeilu” James Asher
jueves, 10 de mayo de 2007
martes, 8 de mayo de 2007
SOBRE IRMA GROOVY
Pronto ampliaremos la información correspondiente a los artistas incluidos en este magnífico álbum. Mientras éso sucede y entretanto hallamos algún video correspondiente a esta recopilación, me gustaría contarles que se trata de una rareza total este "Irma Groovy Vol.2"
Es un álbum que involucra artistas que tuvieron la intuición de lo que sería el reino groove de estos años, pero en la década de los sesenta. Prometo hallar las otras partes (dos o tres) de esta misma colección. Por lo pronto disfruten esta entrega programada el viernes 20 de abril de 2007.
martes, 17 de abril de 2007
TRACKS PROGRAMADOS DEL DESERT GROOVES
1. “Shimmy baby” Dj Mosavo
2. “Asia Breaks” Jim Pavloff
3. “Duden”Natacha Atlas
4. “Groove alla Turca” feat. Natacha Atlas
5.“Sanati”Toires feat. Natacha Atlas
6.”Cleopatra in New York” Nickodemus feat.Carol C.
7. “Damascus Groove” A.R.A.
8. “Forbidden Love” Omar Faruk Tekbilek & Steve Shehan feat, Zehava Ben
9. “Ait Benaddhou” Alacran
10. “Y’ Mama” Zehava Ben
11. “Fleur de Désert” Árnica Montana
12. “Arabian Nights” Uman
2. “Asia Breaks” Jim Pavloff
3. “Duden”Natacha Atlas
4. “Groove alla Turca” feat. Natacha Atlas
5.“Sanati”Toires feat. Natacha Atlas
6.”Cleopatra in New York” Nickodemus feat.Carol C.
7. “Damascus Groove” A.R.A.
8. “Forbidden Love” Omar Faruk Tekbilek & Steve Shehan feat, Zehava Ben
9. “Ait Benaddhou” Alacran
10. “Y’ Mama” Zehava Ben
11. “Fleur de Désert” Árnica Montana
12. “Arabian Nights” Uman
DESERT GROOVES
Se trata de dos diferentes y emocionantes álbumes recopilatorios con cerca de treinta agrupaciones cercanas al sonido lounge e influenciadas por los ritmos propios del Oriente Medio y el Norte del África. Aquí están incluidas las mas grandes estrellas de este estilo provenientes de las regiones en mención, así como los más reluctantes talentos hallados en clubes que van de El Cairo a Marruecos y de Bagdad a Beirut. La primera parte del álbum DESERT GROOVES fue prensada en el año 2004 por el sello Water Music. La segunda parte también apareció dentro de este sello pero en el año 2006 y algunos artistas repitieron lugar en este experiemento compilatorio.Ése es el el caso de la muy reconocida y talentosa cantante musulmana de origen belga, Natacha Atlas, uien combina el sonido tecnobeat y la musica popular tradicional egipcia conocida como Cha’abi, para crear lo que ella llama música Cha’abi Moderna.
Zehava Ben es el mas popular cantante israelí del estilo turco llamado “Mizrahi”, pero sus exploraciones en la música árabe contemporánea le han hecho simpatizar con los sonidos del Medio Oriente.
El Dj. Badawi está actualmente radicado en Nueva York y fue influenciado desde niño por la percusión beduina y el dub jamaiquino; es considerado por la crítica especializada como uno de los mas innovadores dj’s de la escena.
Dzihan & Kamien se conocieron mientras estudiaban música en Viena. El intercambio logrado entre ellos por gustos en común por la música de Turquía, las cuerdas árabes, las entonaciones vocales exóticas e incluso los ritmos del Trip hop los condujo a permanecer juntos en un proyecto musical que ya cumplió una década de existencia.
Zehava Ben es el mas popular cantante israelí del estilo turco llamado “Mizrahi”, pero sus exploraciones en la música árabe contemporánea le han hecho simpatizar con los sonidos del Medio Oriente.
El Dj. Badawi está actualmente radicado en Nueva York y fue influenciado desde niño por la percusión beduina y el dub jamaiquino; es considerado por la crítica especializada como uno de los mas innovadores dj’s de la escena.
Dzihan & Kamien se conocieron mientras estudiaban música en Viena. El intercambio logrado entre ellos por gustos en común por la música de Turquía, las cuerdas árabes, las entonaciones vocales exóticas e incluso los ritmos del Trip hop los condujo a permanecer juntos en un proyecto musical que ya cumplió una década de existencia.
ARABES
Uno de nuestros recientes programas fue dedicado al mundo árabe y fue así que programamos música de la agrupación SIRENA. Un panorama sobre esta cultura compleja e influyente.
Aunque es bastante discutible la oportunidad de incluir a los árabes en una relación de pueblos africanos, diversas tendencias panarabistas nos han animado a considerarlos como un grupo, aun teniendo en cuenta las enormes diferencias que pueden separar a unos grupos árabes de otros, teniendo a veces sólo en común la lengua, e incluso ésta, a veces muy distante en sus diferentes dialectos.
Originarios de la península arábiga, desde el siglo séptimo, a lo largo de los siglos, diferentes grupos nómadas, beduinos, fueron extendiéndose por todo el norte de África y diferenciándose cultural y lingüísticamente poco a poco entre los grupos asentados en territorios diferentes.
A modo de ejemplo, a continuación distinguiremos siete grupos de árabes : sudaneses, argelinos, djibutíes, marroquíes, keniatas, tunecinos y yemeníes.
ARABES SUDANESES
Asentados originariamente en la región de Khartoum, hay nueve subgrupos diferentes repartidos tanto en Sudán como en otros países vecinos.
Son el resultado de la mezcla de diversas razas y culturas preexistentes aunque manteniendo el sustrato cultural dominante de los grupos beduinos originarios. Su idioma es conocido como Sudani o árabe de Khartoum, aunque a su vez se distinguen diferentes dialectos como el Shukriyya, o Badawi hablado por los Shukria, uno de los grupos minoritarios árabes sudaneses, que habitan en el centro de Sudán, en la orilla occidental del Rio Nilo y en el sudoeste de Khartoum.
Los valores y las prácticas tradicionales de aquellos Beduinos es lo que más les acerca a otros grupos árabes. Los códigos de honor rígidos, lealtad, beligerancia y hospitalidad están entre aquellos que han permanecido a lo largo de los siglos.
Se considera que los hijos son el principal recurso de una familia y se consideran como el seguro para la vejez de los padres. Dan una educación muy diferente a los hijos varones y a las niñas. Las madres muestran gran afecto hacia los muchachos, los miman y atienden fácilmente a sus deseos. Los muchachos son enseñados por sus padres a obedecer y respetar a los ancianos. En cambio, a las chicas se les inculca desde muy jóvenes los valores de obediencia a sus futuros maridos.
Mientras los hombres acuden a la mezquita local cinco veces al día para las oraciones, las mujeres se recluyen en sus casas para el cumplimiento de la oración y sólo en ciertas ocasiones les es permitido acudir a las mezquitas.
ARABES ARGELINOS
Aunque influenciados por la cultura bereber de los pueblos autóctonos, ambas culturas, la árabe y la bereber se han mantenido separadas.
El árabe argelino vive principalmente a lo largo de la costa mediterránea. Otros viven en las colinas del Rif y del macizo del Atlas. Su idioma se llama Jazairi (o Maghribi).
La sociedad árabe argelina, mayoritariamente musulmana, al igual que en la mayor parte de otras sociedades árabes, ya sean musulmanas, cristianas o agnósticas, es fuertemente patriarcal. Esta cultura patriarcal es más manifiesta en las zonas rurales donde es más clara la división del trabajo en función del género. Los hombres trabajan los campos, cuidan de los rebaños y son los responsables de la seguridad de la familia, mientras las mujeres se dedican fundamentalmente a los quehaceres domésticos y al cuidado de los hijos; entre los quehaceres de la casa se incluye el ordeñe de las vacas, cabras y ovejas, así como la elaboración de productos derivados de la leche. Las mujeres en los pueblos raramente trabajan fuera de sus casas.
Entre las ceremonias importantes, que giran en torno al nacimiento, el matrimonio y muerte se encuentran la que celebra el primer corte de cabello y la circuncisión en los muchachos, y quizás la más importante o con mayores detalles de celebración que el la ceremonia de la boda.
ARABES DJIBUTIES
Los árabes de Djibuti, hoy representan el 11 % de la población. Se cree que inmigraron a Djibuti desde Omán durante el siglo XVIII.
ARABES MARROQUIES
Al igual que sucede en otros países magrebíes están influenciados por la cultura bereber existente antes de la llegada de los primeros grupos beduinos aunque manteniéndose de forma separada ambas culturas, salvo en lo religioso en que los beréberes hace siglo que adoptaron la religión musulmana de los árabes.
Se cree que la mayor parte de los árabes marroquíes son descendientes de los moros aunque cuando éstos llegaron a las costas de Marruecos hacía ya siglos que estaban asentados otros grupos de procedencia árabe. Entre el árabe rural, se mantiene aún hoy día la división social originaria, que se compone de nobles (considerados como descendientes de Mahoma), hacendados grandes, campesinos agricultores arrendatarios. El árabe marroquí vive principalmente en el norte y oriente del país.
ARABES KENIATAS
Los árabes keniatas, también llamados Waarabu, residen principalmente en Mombasa, Malindi y aldeas de Lamu. Utilizan el idioma árabe y el kiswahili.
Su influencia en el pasado fue muy grande: desarrollaron los principales centros comerciales de la costa que permitieron los intercambios comerciales de todo el África subsahariana con el resto del mundo, destacándose su intervención fundamental en el desarrollo del mercado esclavista; su influencia es muy apreciable en el swahili, idioma hoy hablado por más de 50 millones de personas; así mismo, contribuyeron en la literatura, arquitectura, música, artesanía y estilo de vida, destacándose en este sentido la introducción del Islam, hoy la religión dominante en Kenya.
A pesar de la presencia árabe desde antes del siglo décimo será a partir del siglo XVIII cuando más aumentará la presencia e influencia árabe a lo largo de toda la costa keniata. Desde Lamu, bajo la protección de las tropas de Zanzíbar, los árabes fueron dominando las tierras costeras que los Galla habían conquistado en el siglo XVII. En el XIX recuperarían Malindi y otras poblaciones costeras, reafirmándose el sultanato Omani como autoridad árabe firmemente dominante, recuperando la posición que habían ocupado durante los siglos XIV y XV. Esta situación de autoridad árabe fue reforzada por la emigración nueva de gentes procedentes de Arabia que se establecieron a lo largo de la costa.
ARABES TUNECINOS
Hoy, 6.5 millones de árabes tunecinos viven en Túnez, Libia, y Francia.
Quizás sea Túnez el país donde la población bereber autóctona fue más arabizada creándose una población mixta con rasgos culturales predominantemente árabes.
Si ya existía una población muy homogénea antes de la independencia de Túnez, tras ésta, en 1956, la salida de franceses, italianos y judíos reforzaría esa situación de una población Árabe-Bereber. Tres características distinguen a Túnez de los países vecinos: una clase media grande que es una rareza entre los árabes; una población sumamente juvenil; y un único idioma árabe-tunecino como medio de comunicación.
ARABES YEMENIES
Hoy, más de 12 millones árabes yemeníes viven en la República de Yemen , y otros 723,000 en los países circundantes de Somalia, Etiopía, Sudán, Arabia Saudita, Madagascar, Egipto, Unión de Emiratos Árabes, y Djibouti.
La estructura social del árabe yemení consta de cuatro clases: Sayyid, o nobleza (que se consideran descendientes de un nieto de Mahoma), Qatani, (miembros de un clan árabe determinado), los Shafi'ite (comerciantes, artesanos y artesanos), y el Akhdam (esclavos).
Prácticamente la casi totalidad de los árabe yemeníes son musulmanes: aproximadamente el 50% Zaydis, el 40% son Shafi'itas y un 5% Ismailitas.
A pesar del hecho de que a un varón se permite tener hasta cuatro esposas, la mayoría de los matrimonios son monógamos. En la actualidad está desapareciendo la costumbre según la cual eran los padres quienes preparan las alianzas matrimoniales (una niña era considerada apta para el matrimonio a partir de los nueve años de edad) y hoy, cada vez más, los jóvenes deciden en su elección de pareja.
Por otra parte, casi han desaparecido los nómadas y los últimos grupos de nómadas hace ya tiempo que se establecieron en los pueblos montañeses donde cultivan cereales, verduras, café, melones, mangos y últimamente crían ganado vacuno además del tradicional ganado doméstico como cabras, ovejas y gallinas.
lunes, 16 de abril de 2007
DESERT GROOVES No.1 & No.2
DESERT GROOVES es el nombre que engloba dos álbumes sumamente atractivos con artistas de diversas partes del mundo, pero influenciados todos por los ritmos propios del Oriente Medio y el Norte del África. Actualmente ambos programas realizados están en la página de la emisora y se pueden escuchar en http://www.unradio.unal.edu.co
dando click en la franja de "música del mundo".
dando click en la franja de "música del mundo".
DESERT GROOVES No.2
Este es el listado de los cortesdel álbum DESERT GROOVES No.2, tal y como se programaron en la sesión correspondiente.
1. “Layali Beirut” Roger Abboud
2. “He Mama” Akim El Sikameya
3. “Miscela Arabica” Mazachigno
4. “Ja Vidi” Christophe Goze
5. “Simdi Uzaclardasin” Cazyapjazz
6. “Sakarya” Banco de Gaia (con el Loop Guru)
7. “Amber” Banco de Gaia
8. “Moi et Toi” Ali Slimani
9. “Y’ Mama” Zehava Ben
10.”Do you have any faith?” Zohar
1. “Layali Beirut” Roger Abboud
2. “He Mama” Akim El Sikameya
3. “Miscela Arabica” Mazachigno
4. “Ja Vidi” Christophe Goze
5. “Simdi Uzaclardasin” Cazyapjazz
6. “Sakarya” Banco de Gaia (con el Loop Guru)
7. “Amber” Banco de Gaia
8. “Moi et Toi” Ali Slimani
9. “Y’ Mama” Zehava Ben
10.”Do you have any faith?” Zohar
En el video: interpretando de J.S.Bach, la obra "Gavotte" d-dur BVW 1068
¡Con dos músicos de sesión distintos a los que oímos y brevemente reseñamos, pero igualmente fascinante este trío de Loussier!
PLAY BACH VOL.1
http://http://www.loussier.com/flash.htm
La aventura del PLAY BACH comenzó en 1959, casi como una broma del pianista y compositor francés JACQUES LOUSSIER hacia las formas clásicas de expresión musical, pero terminó siendo una exitoso propuesta por demás novedosa y aún muy actual y atractiva.
Jacques Loussier es un músico comúnmente referido como inclasificable entre su generación, debido a los múltiples caminos que su carrera ha recorrido a través de los años, pues mas allá de su propuesta interpretativa de Bach en jazz, ha trabajado para el espectáculo, para el cine y la televisión, lo cual abandonó a la edad de cuarenta y cinco años para dedicarse esencialmente a la investigación y al estudio de maestros clásicos como Shumann, Debussy, Vivaldi, Ravel o Satie.
La serie titulada PLAY BACH con el pianista y compositor francés Jacques Loussier, el contrabajista Pierre Michelot y el baterista Christian Garros, son una experiencia fantástica y muy difundida por el mundo. Loussier visitó nuestro país en la mitad de la década de los setenta y es actualmente músico de sesión o líder de sus propios proyectos.
Los músicos mencionados al lado del pianista han tenido también un protagonismo importante en la escena del jazz mundial. El contrabajista Pierre Michelot y el baterista Christian Garros fueron músicos de sesión en diversas ocasiones para el saxofonista norteamericano Lester Young, para el trompetista Miles Davis. Lamentablemente ya fallecidos, coincidieron en varias agrupaciones entre las cuales destaca la que les dio reconocimiento inicial con el muy legendario Django Reinhardt.
Jacques Loussier es un músico comúnmente referido como inclasificable entre su generación, debido a los múltiples caminos que su carrera ha recorrido a través de los años, pues mas allá de su propuesta interpretativa de Bach en jazz, ha trabajado para el espectáculo, para el cine y la televisión, lo cual abandonó a la edad de cuarenta y cinco años para dedicarse esencialmente a la investigación y al estudio de maestros clásicos como Shumann, Debussy, Vivaldi, Ravel o Satie.
La serie titulada PLAY BACH con el pianista y compositor francés Jacques Loussier, el contrabajista Pierre Michelot y el baterista Christian Garros, son una experiencia fantástica y muy difundida por el mundo. Loussier visitó nuestro país en la mitad de la década de los setenta y es actualmente músico de sesión o líder de sus propios proyectos.
Los músicos mencionados al lado del pianista han tenido también un protagonismo importante en la escena del jazz mundial. El contrabajista Pierre Michelot y el baterista Christian Garros fueron músicos de sesión en diversas ocasiones para el saxofonista norteamericano Lester Young, para el trompetista Miles Davis. Lamentablemente ya fallecidos, coincidieron en varias agrupaciones entre las cuales destaca la que les dio reconocimiento inicial con el muy legendario Django Reinhardt.
jueves, 8 de marzo de 2007
Zakir Hussain - Tabla Solo
Aunque no interviene en el segmento, aquí está el guitarrista John MacLaughlin.
SOBRE LA TABLA. A PROPÓSITO DEL ENSAMBLE DE USTAD ZAKIR HUSSAIN Y EL ÁLBUM TABLA BEAT SCIENCE
La tabla es uno de los instrumentos percusivos de mayor tradición y popularidad dentro de la tradición india. Su interpretación depende de una serie de códigos muy particulares que indagan en un profundo estado espiritual y una serie también sumamente concreta de parámetros estéticos y musicales. Hablar del instrumento Tabla, significa hablar también del concepto de Raga, que significa emoción, color y sentimiento. Y es que su sonido causa una sensación muy especial a los oyentes. Parece un bidón con agua el que se golpea cuando el intérprete toca la tabla, pero al mismo tiempo parece que algo se frotara, ululante y casi se soplara o silbara algo mas.
la Tabla es un instrumento de percusión de doble membrana que posee la particular inserción de un delgado plato de aluminio que es el resonante principal para que su sonido sea tan especial e incluso melódico y no solamente percusivo. El concepto central de la música india se denomina Raga y posee entre otros aspectos una escala ascendente denominada Aarohana y otra descendente llamada Avarohana. De acuerdo al número de golpes esta música tradicional recibirá un determinado nombre: las Taalas y las Kriyas, composiciones, repiques, formas tradicionales de percutir el instrumento central de la percusión tradicional Carnática y/o Indostaní: la tabla india.
En la música tradicional de tabla, se aprecian varios tipos de composición llamadas Prabanha, Indostaní, Ghazal y Carnática. En el caso de las Ghazal, por ejemplo, se trata básicamente de colas rimadas que siguen una métrica particular. A ella no están ligadas ni las ragas que mencionamos al inicio del programa ni las taalas, que son otras técnica en la música india. Ghazal es una palabra árabe que significa “hablar a una mujer” y son un tipo de composición lírica del siglo diez, proveniente de irán. Esta anotación nos permite intuir que la “ciencia de la tabla” es muy compleja y que se extiende a otras tradiciones no exclusivas de la tradición de la India.
El octeto grabó este álbum doble en el Stern Grove Festival de San Francisco el 12 de agosto de 2001 y aunque involucra sonidos electrónicos y un Dj, la obra es respetuosa del sonido tradicional aunque son notorias sus licencias y experimentaciones.
La tabla tiene su propia escuela. Se le denomina Gharana y la primera de ellas en establecer normas de improvisación es también la mas antigua: llamada Delhi Gharana y fue fundada a comienzos del siglo dieciocho por Siddhar Khan, intérprete del estilo baj, cuya intención evidencia el rol inicial de la tabla como acompañante de la música tanto vocal como instrumental. Ésa forma inicial fue acuñada e interpretada en el instrumento llamado Chatí o Kinar que a su vez condujo al estilo baj para ser denominado mas adelante como Chatí-ka-baj. El instrumento predecesor de la tabla es la Pakhawaj, cuando Siddar Khan empezó a interpretarlo, los ritmos básicos en la gharana o escuela de percusión ancestral de la tabla, empezaron a modificarse.
En este ensamble participan el bajista BILL LASWELL, el pianista FABIAN ALSULTANY en los sintetizadores, KARSH KALE en la batería y segunda tabla, USTAD SULTAN KHAN en los coros y el sarangi y la voz principal de EJIGÁ SHIBABAW; dos integrantes más encargados de las tornamesas el DJ DISK y de la programación electrónica el señor MIDIVAL PUNDIZT.
la Tabla es un instrumento de percusión de doble membrana que posee la particular inserción de un delgado plato de aluminio que es el resonante principal para que su sonido sea tan especial e incluso melódico y no solamente percusivo. El concepto central de la música india se denomina Raga y posee entre otros aspectos una escala ascendente denominada Aarohana y otra descendente llamada Avarohana. De acuerdo al número de golpes esta música tradicional recibirá un determinado nombre: las Taalas y las Kriyas, composiciones, repiques, formas tradicionales de percutir el instrumento central de la percusión tradicional Carnática y/o Indostaní: la tabla india.
En la música tradicional de tabla, se aprecian varios tipos de composición llamadas Prabanha, Indostaní, Ghazal y Carnática. En el caso de las Ghazal, por ejemplo, se trata básicamente de colas rimadas que siguen una métrica particular. A ella no están ligadas ni las ragas que mencionamos al inicio del programa ni las taalas, que son otras técnica en la música india. Ghazal es una palabra árabe que significa “hablar a una mujer” y son un tipo de composición lírica del siglo diez, proveniente de irán. Esta anotación nos permite intuir que la “ciencia de la tabla” es muy compleja y que se extiende a otras tradiciones no exclusivas de la tradición de la India.
El octeto grabó este álbum doble en el Stern Grove Festival de San Francisco el 12 de agosto de 2001 y aunque involucra sonidos electrónicos y un Dj, la obra es respetuosa del sonido tradicional aunque son notorias sus licencias y experimentaciones.
La tabla tiene su propia escuela. Se le denomina Gharana y la primera de ellas en establecer normas de improvisación es también la mas antigua: llamada Delhi Gharana y fue fundada a comienzos del siglo dieciocho por Siddhar Khan, intérprete del estilo baj, cuya intención evidencia el rol inicial de la tabla como acompañante de la música tanto vocal como instrumental. Ésa forma inicial fue acuñada e interpretada en el instrumento llamado Chatí o Kinar que a su vez condujo al estilo baj para ser denominado mas adelante como Chatí-ka-baj. El instrumento predecesor de la tabla es la Pakhawaj, cuando Siddar Khan empezó a interpretarlo, los ritmos básicos en la gharana o escuela de percusión ancestral de la tabla, empezaron a modificarse.
En este ensamble participan el bajista BILL LASWELL, el pianista FABIAN ALSULTANY en los sintetizadores, KARSH KALE en la batería y segunda tabla, USTAD SULTAN KHAN en los coros y el sarangi y la voz principal de EJIGÁ SHIBABAW; dos integrantes más encargados de las tornamesas el DJ DISK y de la programación electrónica el señor MIDIVAL PUNDIZT.
TÍTULOS DE LAS OBRAS PROGRAMADAS
Primera Emisión
“SACRED CHANNEL”
“TAARUF”
“NAFEKEÑ”
“AP KE BARÁS”
“MAGNETIC DUB”
Segunda Emisión
“TRAJIC”
“TABLA MATRIX”
“MENGEDEGNA”
“DEVOTIONAL DUB”
“TAL POSTA IN 5 BEATS” (Del álbum “Essence of Rhythm”)
“SACRED CHANNEL”
“TAARUF”
“NAFEKEÑ”
“AP KE BARÁS”
“MAGNETIC DUB”
Segunda Emisión
“TRAJIC”
“TABLA MATRIX”
“MENGEDEGNA”
“DEVOTIONAL DUB”
“TAL POSTA IN 5 BEATS” (Del álbum “Essence of Rhythm”)
lunes, 5 de marzo de 2007
MAS DE ZAKIR HUSSAIN Y SU TABLA BEAT SCIENCE
Esta semana continuaremos con la segunda parte del ensamble de ZAKIR HUSSAIN y el álbum MONDO BEAT con el ensamble TABLA BEAT SCIENCE, en el cual destaca el sonido tradicional con el increíble efecto "groovy" de la programación electrónica y los "scratches" del Dj invitado. Como adelanto, trajimos este video breve a nuestra página, pero esta vez con un ensamble tradicional: el de USTAD FAIYAZ KHAN. Con ello no queremos desconocer la bella y también respetuosa labor de ZAKIR HUSSAIN, por demás muy emotiva. Escúchenos este Viernes 9 de marzo de 2007, a las 2:00 p.m., por la 98.5 fm. de UN Radio.
lunes, 26 de febrero de 2007
domingo, 25 de febrero de 2007
PRIMER CHAKRA: MULADHARA
Localización: Base de la espina dorsal, entre el ano y los genitales.
Elemento: Tierra.
Yantra: Loto amarillo de cuatro pétalosque se corresponden con las letras sánscritas va, ça, sha, sa. Triángulo rojo invertido con el mantra del deseo, KLIM, dentro de un cuadrado amarillo.
Mantra: LAM.
Función: Controla glándulas suprarrenales, intestino, columna vertebral, cabellos, uñas, salida del esperma, inconsciente y cuerpo físico. Es la morada de Kundalini, la energía vital, en forma de serpiente enroscada.
Deidad: Bala Brahma y su Shakti, Dakini.
Localización: Base de la espina dorsal, entre el ano y los genitales.
Elemento: Tierra.
Yantra: Loto amarillo de cuatro pétalosque se corresponden con las letras sánscritas va, ça, sha, sa. Triángulo rojo invertido con el mantra del deseo, KLIM, dentro de un cuadrado amarillo.
Mantra: LAM.
Función: Controla glándulas suprarrenales, intestino, columna vertebral, cabellos, uñas, salida del esperma, inconsciente y cuerpo físico. Es la morada de Kundalini, la energía vital, en forma de serpiente enroscada.
Deidad: Bala Brahma y su Shakti, Dakini.
SEGUNDO CHAKRA: SVADHISTHANA.
Localización: Región púbica, entre la quinta vértebra lumbar y el hueso sacro.
Elemento: Agua.
Yantra: Loto blanco de seis pétalos que corresponde a las letras ba, bha, ma, ya, ra, la. Media luna colorada dentro de círculo blanco.
Mantra: VAM.
Función: Ejerce influencia sobre todo aquello que es líquido: regula la digestión, el sistema urinario; influye, junto al primer chakra, en la esfera sexual; controla gónadas, ovarios, próstata, testículos.
Deidad: Vishnú y su Shakti, Rakini.
Localización: Región púbica, entre la quinta vértebra lumbar y el hueso sacro.
Elemento: Agua.
Yantra: Loto blanco de seis pétalos que corresponde a las letras ba, bha, ma, ya, ra, la. Media luna colorada dentro de círculo blanco.
Mantra: VAM.
Función: Ejerce influencia sobre todo aquello que es líquido: regula la digestión, el sistema urinario; influye, junto al primer chakra, en la esfera sexual; controla gónadas, ovarios, próstata, testículos.
Deidad: Vishnú y su Shakti, Rakini.
TERCER CHAKRA: MANIPURA.
Localización: Entre el plexo solar y la zona umbilical.
Elemento: Fuego.
Yantra: Loto rojo de diez pétalos con las letras dia, dhia, nia, ta, tha, da, dha, na, pa, pha. Triángulo rojo invertido, con dos cruces gamadas, dentro de círculo.
Mantra: RAM.
Función: Beneficia el sistema digestivo. Actúa especialmente sobre el páncreas. Deidad: Braddha Rudra con su Shakti Lakini.
Localización: Entre el plexo solar y la zona umbilical.
Elemento: Fuego.
Yantra: Loto rojo de diez pétalos con las letras dia, dhia, nia, ta, tha, da, dha, na, pa, pha. Triángulo rojo invertido, con dos cruces gamadas, dentro de círculo.
Mantra: RAM.
Función: Beneficia el sistema digestivo. Actúa especialmente sobre el páncreas. Deidad: Braddha Rudra con su Shakti Lakini.
CUARTO CHAKRA: ANAHATA.
Localización: Región dorsal al nivel del corazón, siempre en la vertical.
Elemento: Aire.
Yantra: Loto gris de doce pétalos, correspondiente a las letras ka, kha, ga, gha, na, ca, cha, ja, jha, ña, ta, tha. Dos triángulosde color gris humo formando una estrella seis puntas o Sello de Salomón, dentro de círculo.
Mantra: YAM.
Función: Controla corazón y sistema circulatorio. Estimula la actividad pulmonar y ejerce gran influencia sobre el nervio vago y la glándula del timo. Deidad: Ishana Rudra Shiva (Señor del Noreste) y su Shakti Kakini.
Localización: Región dorsal al nivel del corazón, siempre en la vertical.
Elemento: Aire.
Yantra: Loto gris de doce pétalos, correspondiente a las letras ka, kha, ga, gha, na, ca, cha, ja, jha, ña, ta, tha. Dos triángulosde color gris humo formando una estrella seis puntas o Sello de Salomón, dentro de círculo.
Mantra: YAM.
Función: Controla corazón y sistema circulatorio. Estimula la actividad pulmonar y ejerce gran influencia sobre el nervio vago y la glándula del timo. Deidad: Ishana Rudra Shiva (Señor del Noreste) y su Shakti Kakini.
sábado, 24 de febrero de 2007
QUINTO CHAKRA: VISHUDHA Localización: Plexo de la laringe, al nivel de la garganta, en el lugar en el que la médula espinal se convierte en bulbo raquídeo.
Elemento: Éter.
Yantra: Loto blanco-dorado de dieciséis pétalos correspondiente a las vocales sánscritas: a, â, i, î,u, û, r, r, l, l, e, ai, o, au, am, ah. Círculo blanco, simbolo del éter, en triángulo invertido.
Mantra: HAM.
Función: Influye sobre tiroides, pulmones, bronquios; mitiga el desorden del lenguaje, armoniza el pensamiento, los sentimientos. Deidad: Panchavaktra Shiva (Shiva de las cinco bocas), con su shakti Sakini.
Elemento: Éter.
Yantra: Loto blanco-dorado de dieciséis pétalos correspondiente a las vocales sánscritas: a, â, i, î,u, û, r, r, l, l, e, ai, o, au, am, ah. Círculo blanco, simbolo del éter, en triángulo invertido.
Mantra: HAM.
Función: Influye sobre tiroides, pulmones, bronquios; mitiga el desorden del lenguaje, armoniza el pensamiento, los sentimientos. Deidad: Panchavaktra Shiva (Shiva de las cinco bocas), con su shakti Sakini.
SEXTO CHAKRA: AJNA.
Localización: Glándula pineal, entre las cejas (Tercer Ojo).
Elemento: Todos los anteriores, purificados.
Yantra: Loto de «color de luna» con dos pétalos correspondientes a las letra ha y ksha. Triángulo invertido, símbolo de la diosa y signo del Yoni, el órgano sexual femenino conteniendo un rayo, sobre el que se encuentra a su vez el signo de la luna y sobre ella el Bindu (punto en el que todos los poderes se unen en una unidad suprema).
Mantra: OM (empieza como OOO en el sexto chakra).
Función: Fortalece las glándulas endocrinas, estimula el pensamiento intuitivo, previene la senilidad. Deidad: Shiva y la Shakti Hakini.
Localización: Glándula pineal, entre las cejas (Tercer Ojo).
Elemento: Todos los anteriores, purificados.
Yantra: Loto de «color de luna» con dos pétalos correspondientes a las letra ha y ksha. Triángulo invertido, símbolo de la diosa y signo del Yoni, el órgano sexual femenino conteniendo un rayo, sobre el que se encuentra a su vez el signo de la luna y sobre ella el Bindu (punto en el que todos los poderes se unen en una unidad suprema).
Mantra: OM (empieza como OOO en el sexto chakra).
Función: Fortalece las glándulas endocrinas, estimula el pensamiento intuitivo, previene la senilidad. Deidad: Shiva y la Shakti Hakini.
SEPTIMO CHAKRA: SAHASRARA.
Localización: Centro del cráneo, sobre la fontanela. No es un centro como los otros, esta situado en realidad fuera del cuerpo, en el punto en el que la línea del eje sobrepasa el cráneo.
Yantra: Flor de loto «color de diamante» con mil pétalos en el que se inscribe una rueda con «mil radios».
Mantra: OM (acaba como MMM en el séptimo chakra).
Función: Completa la persona, une el Yo superior e inferior, acentúa todas las facultades humanas. Deidad: No existe deidad asociada, pues simboliza lo Absoluto. El Gurú interior. «Más allá de toda diferenciación».
Localización: Centro del cráneo, sobre la fontanela. No es un centro como los otros, esta situado en realidad fuera del cuerpo, en el punto en el que la línea del eje sobrepasa el cráneo.
Yantra: Flor de loto «color de diamante» con mil pétalos en el que se inscribe una rueda con «mil radios».
Mantra: OM (acaba como MMM en el séptimo chakra).
Función: Completa la persona, une el Yo superior e inferior, acentúa todas las facultades humanas. Deidad: No existe deidad asociada, pues simboliza lo Absoluto. El Gurú interior. «Más allá de toda diferenciación».
viernes, 23 de febrero de 2007
Uno de los artistas incluidos en el álbum doble ORIENTAL GARDEN es el argelino nacido en 1966, CHEB MAMI. Importamos esta presentación en video y seguiremos en la búsqueda de algunos otros artistas presentados en este material discográfico, que a propósito es el primero de tres álbumes dobles con la misma inspiración oriental beat.
domingo, 18 de febrero de 2007
KUNDALINI
Kundalini Shakti es el poder que permanece adormecido en la base de la columna vertebral, hasta que la despertamos, tanto de forma espontánea como a través de técnicas yóguicas.
Kundalini Sakti, la energía "femenina", es el vasto potencial de energía psíquica presente en todos nosotros. Normalmente se simboliza como una serpiente enrollada (kundalini significa enrollada) tres veces y media, con su cola en la boca y girando en el axis central (sacro o hueso sagrado) en la base de la columna vertebral. Esta serpiente que duerme enroscada en el adepto, es la serpiente que el Tantra busca despertar. Este poder (shakti), que permanece adormecido en la base de la columna vertebral, hasta que la despertamos, tanto de forma espontánea como a través de técnicas yóguicas.
Podemos comprender Kundalini tanto a nivel físico como metafísico. La radical Kunda significa estanque y el Kundalini del mundo es el estanque incandescente de elementos primordiales situado en el centro de la tierra. Este Kundalini terreno emite una pulsión regular de frecuencia y, en ocasiones, estalla en forma de terremotos y volcanes. El Kundalini de la humanidad está centrado en la región sexual de cada individuo y constituye un fuego interior de tremendo potencial.
Cuando se despierta se eleva como un rayo a través del nadi central Sushumna. En el interior de sushumna nadi se sitúa el vajrini nadi, y en el interior de este se sitúa el citrini. Al final del citrini se encuentra la puerta conocida como brahma-dvara, que da paso a kundalini en su ascenso hacia el sahasrara chakra. Este ascenso dota al individuo de una conciencia más allá de la percepción ordinaria, y poderes (siddhis) más allá de las habilidades normales.
Posiblemente sea cierto, como cree Nik Douglas, que el descubrimiento de "un fundamento físico de la libido" por parte de Wilhelm Reich, fuese simplemente su descubrimiento personal de la Kundalini.
El Kundalini Yoga consiste de ejercicios o posturas (asanas) con ejercicios especiales de respiración (pranayama), gestos de dedos y manos (mudras), contracciones corporales (bhandas), entonación de mantras y meditación. El despertar de Kundalini y la manifestación de sus poderes es el objetivo primordial de la práctica de Kundalini Yoga. Se Sabe que las técnicas básicas del Kundalini Yoga evolucionaron en los monasterios de la India y el Tíbet a lo largo de un periodo de miles de años. Allí los rishis (sabios videntes) probaron y perfeccionaron sistemáticamente los movimientos precisos, las posturas, sonidos y respiración que activan distintas partes del cuerpo y el cerebro para producir resultados específicos.
Cuando está lista para desenrollarse, Kundalini asciende a través del nadi Sushuma atravesando los chakras para unirse por encima de la corona de la cabeza con Shiva, la Pura Consciencia que impregna todo el Universo. Este despertar o desenrollamiento del poder serpentino, como también se conoce a Kundalini, puede producirse de forma espontánea en algunos casos.
El más conocido de ellos, convertido en un clásico a nivel mundial es el del hindú Gopi Krishna que nos dejo sus experiencias escritas en un libro (hay una edición en castellano, «Kundalni, el yoga de la energía», publicado por Kairós). Al final de la página hay un enlace con un documento donde se transcriben algunos párrafos de esa experiencia y de sus efectos, que cuando no son adecuadamente controlados pueden producir daños importantes en la persona, tanto físicos como psíquicos.
KUNDALINI (segunda entrega)
Para entender el Pancatattva o Maithuna
El yogi vedanta nunca se cansa de afirmar que el kaivalya, el “aislamiento-integración”, solo puede obtenerse alejándose del atractivo del mundo, causa de nuestras distracciones y adorando con atención concentrada el Brahman-Átman sin forma. Para el tántrico, en cambio -lo mismo que para los normales hijos del mundo- esta idea resulta patológica, como efecto erróneo de cierta enfermedad del intelecto. El verdadero amante de la Diosa no desea meramente buscar la liberación ni siquiera llegar a ella. Porque ¿de qué sirve la salvación si significa absorción? Me gusta comer azúcar -como decía Ramprasad-, pero no tengo deseos de convertirme en azúcar. Que busquen la liberación quienes sufren los inconvenientes del samsara: el devoto perfecto no sufre; porque puede visualizar y experimentar la vida y el universo como la revelación de esa suprema Fuerza divina (Shakti) de la que está enamorado, el Ser divino omnicomprensivo en su aspecto cósmico de juego (lîlâh) sin finalidad, que precipita el dolor tanto como la alegría, pero que en su beatitud trasciende a ambos. Está lleno de la locura sagrada de ese “amor extático” (prema) que transmuta el universo.
Este mundo es una morada de alegría; aquí puedo comer, beber y divertirme.
Artha (la prosperidad), Kama (el cumplimiento de los deseos sensuales), Dharma (la ejecución de los ritos morales y religiosos de la vida cotidiana, aceptando la carga de todos los deberes), y Moksha (la liberación con respecto a todos ellos) son uno solo. La polaridad del Moksha y el trivarga es trascendida y disuelta no solo por la realización introvertida, sino también por el sentimiento vivo. En virtud de su talento de amor por la Diosa misericordiosa, el verdadero devoto descubre que el cuádruple fruto de Artha, Kama, Dharma, y Moksha cae en la palma de su mano.
¡Oh mente, ven, vamos a dar un paseo hacia Kali, el Árbol que hace cumplir los deseos! Y allí, bajo su copa, recojamos los cuatro frutos de la vida. La mente siempre busca a la Hermosa Oscura (Kali). Haz lo que quieras. ¿Quién desea el Nirvana?
Naturalmente, el tantrismo subraya lo sagrado y puro de todas las cosas. Por ello “las cinco cosas prohibidas” (llamadas también “las cinco emes”) constituyen la sustancia del régimen sacramental de ciertos ritos tántricos: vino (madya), carne (mamsa), pescado, (matsya), granos tostados (mudra) y acto sexual (máithuna). La realización no dualista unifica el mundo: hace que sea uno, santo y puro. Todos los seres y cosas son miembros de una sola “familia” (kula) mística. Por lo tanto en los sagrados “círculos” (cakra) tántricos nadie piensa en castas. Los sudra, los descastados y los brahmanes son todos igualmente elegibles para la iniciación, si están espiritualmente capacitados. El aspirante sólo tiene que ser inteligente, controlar sus sentidos, abstenerse de dañar a todo ser, hacer siempre el bien a todos, ser puro, creer en el Veda, ser un no dualista cuya fe y refugio están en Brahman: Un tal está calificado para esta Escritura; de lo contrario no es adepto.
La posición social secular que uno ocupe no tiene ninguna consecuencia dentro de la esfera de la verdadera jerarquía espiritual. Por otra parte, tanto las mujeres como los hombres pueden ser elegidos no solo para recibir la más alta iniciación sino también para conferirla en el papel de guru. Ser iniciado por una mujer es eficaz, serlo por la madre lo es ocho veces más, dice el Yógini Tantra. En contraste con los textos védicos, donde a un sudra le está prohibido hasta escuchar el Veda y donde las mujeres están relegadas a una esfera secundaria (aunque muy alabada y sentimentalizada), en lo que toca a su competencia y aspiración espirituales, los Tantra trascienden los límites de la diferenciación social y biológica.
Sin embargo, no debe suponerse que esta indiferencia a las reglas de casta implica alguna idea de revolución dentro de los límites de la esfera social, como algo distinto de la esfera del progreso espiritual. El iniciado retorna a su puesto en la sociedad, porque allí también se halla la manifestación de la Shakti. El mundo es afirmado tal cual es; no se renuncia a él, como hacen los ascetas; ni se lo corrige, como hacen los reformadores sociales. Como la condición previa para la iniciación es la superación del temor y del deseo y el rito mismo confirma la concepción de que todo es divino, el verdadero amante de la Diosa se contenta con lo que ella le ha otorgado y no critica las propiedades tradicionales del espacio y del tiempo, sino que contempla la divina Potencia, con la cual se identifica esencialmente, en todas las situaciones.
La idea de Dharma es intrínseca al pensamiento indio. El sacramento de las “cinco cosas prohibidas” no abre camino ni al libertinaje ni a la revolución. En el plano de la conciencia del ego, donde uno actúa como miembro individual de la sociedad, sigue prevaleciendo el Dharma de la propia casta y el propio ásrama (las diferentes etapas de la vida védica), y solo alcanza las alturas superiores al Dharma y al Adharma quien ha trascendido la mente, pues en ese estado de elevación no existe el problema de querer gozar beneficios de prácticas ilegales. El rito tántrico del vino, la carne, el pescado, el grano tostado y el acto sexual no se realiza como una diversión quebrantadora de las leyes, sino bajo la prudente supervisión de un guru, en el estado controlado de realización “no dualista” (advaita) y como fiesta culminante de una larga serie de disciplinas espirituales, a través de muchas vidas. La emoción espiritual del adepto es prema: la extática y beatífica bienaventuranza de quien, habiendo trascendido su ego, realiza la identidad trascendente. Al volver al reino fenoménico, desde estas sublimes alturas del supremo conocimiento que aniquila las formas, se ve la diferenciación pero no hay enajenación; no hay tendencia a pedir perdón, porque no hay culpa ni ha habido caída. No hay que reformar el mundo y sus leyes no deben ser desdeñadas. Los diversos planos de manifestación de lo Absoluto pueden ser contemplados con espíritu desapasionado.
Porque todo el espectáculo del universo, sin excepción, es engendrado por el dinamismo de la Maya-Shaki, la potencia de la danza cósmica (lîlâh) de la oscura, terrible y sublime Madre del Mundo, que todo alimenta y todo consume. Los seres del mundo y toda la gama de la experiencia no son más que ondas y estratos de una sola y universal corriente por donde siempre fluye la vida.
Hay un rasgo peculiar y esencial en la afirmación tántrica que la distingue de los seis sistemas ortodoxos védicos; porque el ideal del tantrismo es lograr la iluminación precisamente por medio de esos mismos objetos que los sabios anteriores trataron de desterrar de sus conciencias. El primitivo culto védico, afirmaba el mundo, pero sus ritos eran primordialmente los de los grandes ceremoniales populares y reales en honor de los dioses del macrocosmos; no invitaban a sondear las honduras del microcosmos. Los filósofos del bosque, por otra parte -dedicados a las técnicas introvertidas del jainismo, el Yoga, el Samkhya, el Vedanta y el Hinayana- se esforzaban por reprimir sus impulsos biológicos sometiéndose a una dieta espiritual reductora a fin de vencer el rajas, el tamas y las vasanas (deseos profundamente arraigados en el inconsciente), y cuando de este modo llegaban finalmente más allá del pecado y de la virtud, seguían siendo siempre virtuosos. En realidad, desde el principio habían tenido que desprenderse de la capacidad de pecar, como primer requisito necesario para aproximarse al guru. Pero en el Tantra, aunque la meta es la del yogi meditador (no el poder mundano, como el que buscaban los antiguos sacerdotes brahmánicos que conjuraban las fuerzas del universo, sino la Iluminación, la conciencia Absoluta y la beatitud del Ser trascendental), la forma de aproximarse es la del asentimiento, no la de la negación.
Un principio esencial de la concepción tántrica es el de que el hombre, en general, tiene que elevarse a través y por medio de la naturaleza, no rechazándola. Así como uno cae al suelo -afirma el Kularnava Tantra-, así como también tiene uno que levantarse con ayuda del suelo. El placer del amor, el placer del sentimiento humano, son la gloria de la Diosa en su danza que produce el mundo, la gloria de Shiva y de su Shakti en su eterna realización de la identidad, pero solo tal como se efectúa en el modo inferior de la conciencia del ego. La criatura pasional no tiene más que borrar su sentido del yo, y luego el mismo acto que antes era una obstrucción, se convierte en la marca que lo lleva a la realización de la beatitud absoluta (ananda). Además, esta marea de pasión misma puede ser el agua bautismal que lava y hace desaparecer la conciencia del yo. Siguiendo el método tántrico, el héroe (vira) flota más allá de sí mismo en la corriente excitada pero canalizada. Esto es lo que ha desacreditado el método ante los ojos de la comunidad. Su heroica aceptación, sin sutilezas, de todo el impacto e implicación de la celebración no dual del mundo como Brahman, ha parecido demasiado atrevida y demasiado sensacional a aquellos cuya concepción de la santidad incluye el trascendente reposo del Señor, pero omite el detalle de su teatral misterio (lîlâh) de la creación continua.
Un método correcto no quede excluir el cuerpo, pues el cuerpo es dévata, la forma visible del Brahman en cuanto jiva. “Al Sadhaka [el estudiante tántrico] -escribe Sir John Woodroffe- se le enseña a no pensar que somos idénticos a lo Divino en la Liberación solamente, sino aquí y ahora, en cada acto que realizamos. Porque en verdad que todo eso es Shakti. Es Shiva que como Shakti actúa en y a través del Sadhaka (…) Cuando esto se ha captado en cada función natural, cada ejercicio de ella deja de ser un mero acto animal y se convierte en un rito religioso, en un yajña. Toda función es parte de la Acción divina (Shakti) en la naturaleza. Así, cuando ingiere bebida en forma de vino, el Vira sabe que eso es Tara Dravamayi, es decir, “la Salvadora misma en forma líquida”. Y -se dice- ¿cómo puede hacerle daño al que realmente ve allí a la Madre Salvadora? (…) Cuando el Vira come, bebe o realiza el acto sexual, no lo hace con la idea de ser un individuo que satisface sus propias necesidades limitadas, como un animal que hurta a la naturaleza, por así decir, el gozo que siente, sino pensando que en ese gozo él es Shiva, y diciendo: Sivo’ham, Bháiravo’ham (Yo soy Shiva, yo soy Bhairava).”
De aquí la gran fórmula tántrica (tan diferente de la que utilizaban las primeras disciplinas del Yoga hindú): el yoga (el acto de uncir la conciencia empírica a la conciencia trascendental) y el bhoga (“goce” la experiencia del goce y del sufrimiento de la vida) son lo mismo. El bhoga mismo puede convertirse en un camino del yoga.
Pero se necesita un héroe (vira) para hacer frente, y asimilar, con perfecta ecuanimidad, toda la maravilla de la Creadora del Mundo; para hacer el amor, sin reacciones histéricas, a la Fuerza vital que es la Shakti de su propia naturaleza integral. Las “cinco cosas buenas” (pañcatattva), que son las “cosas prohibidas” de los hombres y mujeres corrientes, sirven de viático sacramental para el que no solo conoce sino siente que la Fuerza cósmica (Shakti) es en esencia él mismo. En el Tantra es posible adorar a la Creadora del Mundo utilizando sus propios procedimientos, pues el coito (máithuna), que constituye su más alto rito sagrado, no se realiza con el espíritu del pasu (el “ganado”, el animal humano del rebaño, que desea, teme y goza de la manera animal y humana usual), sino del vira (“héroe”) que se sabe idéntico a Shiva.
OM, en el Fuego que es el Espíritu (átman) esclarecido por la aspersión del ghee del mérito y del demérito, yo, por el camino del yoga (susumna), siempre sacrifico las funciones de los sentidos, utilizando la mente como cáliz de las ofrendas ¡Aleluya!
Como fruto del rito, pues, nos liberamos de la ilusión, y esta liberación es el más alto don de Kali, la oscura y hermosa Diosa Bailarina del Crematorio.
En los Ágama (escrituras) clásicos del tantrismo se prescriben tres clases de sadhana (practica espiritual), para los diferentes temperamentos. El de las “cinco cosas buenas”, como lo hemos llamado, es para el vira. Mas para el pasu eso mismo constituye “las cinco cosas prohibidas”; y así el término “vino” (madya) se interpreta en este caso como agua de coco, leche o alguna otra “sustancia sustitutiva” (anukalpatattva). Del mismo modo, en lugar de “carne” (mamsa), come granos de trigo, jengibre, sésamo, sal o ajo, y en lugar de “pescado” (matsya), rabanitos, sésamo rojo, másur (una especie de grano), la berenjena blanca y el paniphala (una planta acuática). El “grano tostado” (mudra) en forma de arroz, trigo, etcétera, está permitido, pero en lugar del máithuna se recomienda una sumisión infantil ante la Divina Madre de los Pies de Loto.
El divya, el hombre-dios del más puro sattva, por otra parte, está mucho más allá de la sadhana “sustitutiva” del piadoso cordero, y también de las intrépidas y caballerescas experiencias del héroe. No necesita ninguna clase de imagen externa o sacramento. De aquí que, al retraducir para el divya “las cinco cosas buenas” prescritas, el “vino” (madya) no es ningún líquido, sino el conocimiento embriagador adquirido por el Yoga del Parabrahman, que torna al adorador insensible con respecto al mundo exterior. La ‘carne’ (mamsa) no es pulpa alguna, sino el acto, por el cual el sadhaka refiere todos sus actos a ‘Mí’ (mam), es decir, al Señor (naturalmente, se trata de un juego de palabras). El ‘pescado’ (matsya) es el conocimiento sáttvico en que, por medio del sentido de ‘lo mío’ (juego de palabras en torno a matsya), el adorador simpatiza con el placer y el dolor de todos los seres. Mudra es el acto de abandonar toda asociación con el mal, la que tiene como resultado la esclavitud. Y el ‘coito’ (máithuna) es la unión de la Shakti Kundalini, la ‘mujer interior’ y la fuerza cósmica que reside en el centro inferior (muladhara chakra) del cuerpo del sadhaka, con el Supremo Shiva que reside en el centro superior (sahasrara), en la parte alta del cráneo
Nadevo dévam árcayet
Dévam bhutva dévam yájet
“Nadie que no sea divino puede adorar a la divinidad”
“Habiéndose convertido en la divinidad, uno debe ofrecerle sacrificio”
Gandharva Tantra.
Lo que no es tocado por la séxtuple ola (de corrupción y muerte, hambre y sed, dolor y engaño], lo que es meditado por el corazón del hombre, pero no aprehendido por sus órganos sensoriales, lo que la facultad de intuir (buddhi) no puede conocer, y que es impecable (anavádyam): ese Brahman eres tú; medita sobre esto en tu mente.
Lo que no es tocado por la séxtuple ola (de corrupción y muerte, hambre y sed, dolor y engaño], lo que es meditado por el corazón del hombre, pero no aprehendido por sus órganos sensoriales, lo que la facultad de intuir (buddhi) no puede conocer, y que es impecable (anavádyam): ese Brahman eres tú; medita sobre esto en tu mente.
Shánkara - VivekaChudamani.
miércoles, 14 de febrero de 2007
ATTENTION DEFICIT
El álbum "Attention Deficit" contiene en su orden los siguientes tracks y en ese mismo orden se presentaron en el programa
"ATM"
"An exchange of niceties"
“Green House Effect”
“Fly Pelican, fly”
“Scapula”
“Snip”
“It’s Over Johnny”
“TMA”
“Febrile”
“MAT”
“Wrong”
“The girl from enchilada”
“Merton Hanks”
“Khamsim”
“Lydia”
“Say Hello to my little friend”
"ATM"
"An exchange of niceties"
“Green House Effect”
“Fly Pelican, fly”
“Scapula”
“Snip”
“It’s Over Johnny”
“TMA”
“Febrile”
“MAT”
“Wrong”
“The girl from enchilada”
“Merton Hanks”
“Khamsim”
“Lydia”
“Say Hello to my little friend”
SOBRE ALEX SKOLNICK
Alex Skolnick nació en 1968 y creció en Berkeley, California y fue a la temprana edad de nueve años cuando su afición por la banda Kiss le impulsó a emprender sus estudios de guitarra eléctrica. Poco tiempo después de terminar sus estudios de secundaria, a los dieciséis años de edad, Alex Skolnick fundó una agrupación de estilo thrash metal que bautizó como “Legacy” y que posteriormente cambiaría su nombre por el de “Testament”. Esta es sin duda, una auténtica transición luego de un tránsito importante por un género diametralmente opuesto...el de Alex Skolnick ahora guitarrista de jazz rock fusión.
“Attention Déficit” es una pieza mas bien rara dentro de su discografía pues allí se hace acompañar de otros dos músicos de excelentes condiciones como son los señores Michael Manring, varias veces seleccionado por la revista Bass Player como bajista del año y el sobresaliente baterista Tim Alexander. El inicio de la carrera musical de Alex Skolnic estuvo signado por la grabación de un primer álbum con la banda “Testament” y por el contacto con agrupaciones de su mismo estilo con las cuales salió de gira, tales como los legendarios “Judas Priest”, “slayer” “White Zombie” o “Megadeth”. Skolnick recibió pronto el reconocimiento de la crítica y del público como guitarrista líder. Su inspiración provenía de pares como Eddie Van Halen o Randy Rhoads, héroes del rock pesado de final de la década de los ochenta. Cinco álbumes grabados dentro de ése circuito le bastaron a Skolnick para empezar a explorar en territorios musicales diversos, entre otros, el muy atractivo jazz eléctrico de Miles Davis.
Como complemento a sus logros y consecuente con los bien intencionados comentarios provenientes de una crítica especializada en revistas de rock que le mencionaron como “mejor Guitarrista del estilo Thrash”, Alex Skolnick sorprendería al mundo con una faceta inusual para un desgarbado roquero: la faceta de estudioso del jazz que fue inspirada por un programa de televisión en el cual vio al trompetista Miles Davis liderando uno de aquellos famosos conjuntos de estilo electric jazz rock; es decir que le debió seducir el sonido de John Scofield. Con diecinueve años de edad y mientras grababa el segundo álbum para la banda “Testament”, Skolnick se muda a Nueva York y se inscribe en el programa de jazz de la New School University. Fue allí donde realmente nació el trío que hasta ahora se mantiene. Su primera grabación se llamó “Goodbye to Romance: Standards for a New Generation” que de alguna manera era una mixtura sin precedentes entre el mundo del metal y el jazz tradicional. No sorprende que pronto el trío fuera reseñado en revistas como Downbeat, Jazziz y un completo artículo en la Billboard, luego de haber aparecido en las listas de popularidad de la radio norteamericana.
Skolnick es también asiduo colaborador de proyectos como la Orquesta Transiberiana o ha llamado para trabajar en colectivos a grandes y reconocidos bajistas como Stu Hamm (quien ha estado en formaciones de Joe Satriani y Steve Vai), el bajista de la banda Primus el señor Les Claypool o como en el caso de nuestra audición de hoy el virtuoso Michael Manring. También ha trabajado con la banda “Savatage” y con el cantante Ozzy Osbourne. Compuso la banda sonora para el juego de video “Hot Wheels Turbo racing” de la empresa EA Entertainment y apareció en el programa del canal MTV titulado “Makin’ the Band” una especie de reality show en la cual viejas figuras de bandas roqueras de los años noventa tratan –precisamente- de formar una agrupación.
“Attention Déficit” es una pieza mas bien rara dentro de su discografía pues allí se hace acompañar de otros dos músicos de excelentes condiciones como son los señores Michael Manring, varias veces seleccionado por la revista Bass Player como bajista del año y el sobresaliente baterista Tim Alexander. El inicio de la carrera musical de Alex Skolnic estuvo signado por la grabación de un primer álbum con la banda “Testament” y por el contacto con agrupaciones de su mismo estilo con las cuales salió de gira, tales como los legendarios “Judas Priest”, “slayer” “White Zombie” o “Megadeth”. Skolnick recibió pronto el reconocimiento de la crítica y del público como guitarrista líder. Su inspiración provenía de pares como Eddie Van Halen o Randy Rhoads, héroes del rock pesado de final de la década de los ochenta. Cinco álbumes grabados dentro de ése circuito le bastaron a Skolnick para empezar a explorar en territorios musicales diversos, entre otros, el muy atractivo jazz eléctrico de Miles Davis.
Como complemento a sus logros y consecuente con los bien intencionados comentarios provenientes de una crítica especializada en revistas de rock que le mencionaron como “mejor Guitarrista del estilo Thrash”, Alex Skolnick sorprendería al mundo con una faceta inusual para un desgarbado roquero: la faceta de estudioso del jazz que fue inspirada por un programa de televisión en el cual vio al trompetista Miles Davis liderando uno de aquellos famosos conjuntos de estilo electric jazz rock; es decir que le debió seducir el sonido de John Scofield. Con diecinueve años de edad y mientras grababa el segundo álbum para la banda “Testament”, Skolnick se muda a Nueva York y se inscribe en el programa de jazz de la New School University. Fue allí donde realmente nació el trío que hasta ahora se mantiene. Su primera grabación se llamó “Goodbye to Romance: Standards for a New Generation” que de alguna manera era una mixtura sin precedentes entre el mundo del metal y el jazz tradicional. No sorprende que pronto el trío fuera reseñado en revistas como Downbeat, Jazziz y un completo artículo en la Billboard, luego de haber aparecido en las listas de popularidad de la radio norteamericana.
Skolnick es también asiduo colaborador de proyectos como la Orquesta Transiberiana o ha llamado para trabajar en colectivos a grandes y reconocidos bajistas como Stu Hamm (quien ha estado en formaciones de Joe Satriani y Steve Vai), el bajista de la banda Primus el señor Les Claypool o como en el caso de nuestra audición de hoy el virtuoso Michael Manring. También ha trabajado con la banda “Savatage” y con el cantante Ozzy Osbourne. Compuso la banda sonora para el juego de video “Hot Wheels Turbo racing” de la empresa EA Entertainment y apareció en el programa del canal MTV titulado “Makin’ the Band” una especie de reality show en la cual viejas figuras de bandas roqueras de los años noventa tratan –precisamente- de formar una agrupación.
viernes, 9 de febrero de 2007
ENTREVISTA CON MICHAEL MANRING (Primera entrega)
Una figura estelar al lado del guitarrista ALEX SKOLNICK es el bajista MICHAEL MANRING. Tomamos esta entrevista hecha por y publicada originalmente en la página, con el ánimo de aprender algo mas sobre la vida del buen músico.
La estelar técnica de Michael, que incluye su sorprendente capacidad para tocar conciertos completos por sí solo, nos obliga a aquellos menos aventureros, a reexaminar qué es lo que puede y qué es lo que no puede hacer el bajo. Michael viaja regularmente a lugares donde los musicalmente tímidos temerían acercarse. Para ser más precisos, Michael regularmente ocupa una estratósfera musical que la mayoría de nosotros nunca ha visitado, o cuya existencia desconocemos.
Para aquellos que nos hemos preguntado miles de veces si el camino a seguir es una educación formal en un lugar como BIT o el autodidactismo, parece cantado que Michael Manring, uno de los mejores bajistas contemporáneos y “héroe del bajo” para varias decenas de miles de bajistas, podría tener una respuesta clara y precisa
MM: Bueno, fui a Berklee por alrededor de siete meses, pero me considero en gran medida autodidacta. Más o menos como todo el mundo, me salió un trabajo, me fui de gira y no volví. De hecho me arrepiento en parte. En cierta forma siempre he querido volver y aprender más. Es que hay mucho para aprender sobre la música. Armonía, composición y la música de diferentes culturas y tantos compositores brillantes. Es mi sueño, en algún punto de mi vida, volver a un ambiente más académico.
Eras muy amigo del brillante guitarrista Michael Hedges. ¿Su súbita muerte todavía te afecta?
MM: ¡Dios! Creo que algunos no sabían cuán amigos éramos. Empecé a tocar con Michael cuando tenía 18 años. Prácticamente crecí tocando con él. Antes de que los dos tuviéramos nuestros respectivos contratos, tocábamos por 50 dólares y dormíamos en la parte de atrás de su camioneta. Era un gran amigo y lo admiraba mucho. Era un ser humano extraordinario.
¿Y un músico extraordinario?
MM: Sí, pero más como ser humano que como músico. Creo que podría decir que siempre que estuve cerca suyo ocurrían cosas extraordinarias. Cosas que desafiaban la lógica a veces. Michael estaba realmente en contacto con algo. A menudo me preocupaba que algo le sucediera porque siempre vivió muy en el límite. ¡Se arriesgaba mucho!
¿Se arriesgaba físicamente, como Jaco?
MM: ¡Había muchas similitudes entre ellos! Y créeme que he hecho mucha introspección. También estudié de Jaco.
¿En serio?
MM: Sí, porque también fue una figura importante en mi vida. No tuve una amistad con él, fue más una relación estrictamente de profesor a alumno. No pasé mucho tiempo con él.
Hoy en día es bien sabido que Jaco realmente no fue siempre responsable de su conducta “bipolar”, siendo maníaco depresivo. Su enfermedad fue fuente de un gran genio musical, pero le costó muchos amigos también.
MM: Sí, era maníaco depresivo.
Y además tampoco eligió usar litio ni otros modificadores del ánimo.
MM: Bueno, la historia de Jaco es muy complicada, muy trágica.
¿¿Te molesta hablar de ello??
MM: No, no me molesta porque me pasé mucho tiempo tratando de procesarlo mentalmente. Esta gente eran mis héroes. Jaco, Michael y mi padre. Lo de Jaco fue tan trágico más que nada porque era muy autodestructivo. Mucha gente ofreció ayudarlo y lo hospitalizaron un par de veces. Hubo gente que hasta se alegraba de hacerlo hospitalizar par tratar de mejorarle un poco la vida. Pero estaba realmente decidido a destruirse a sí mismo. Michael Hedges, también, vivió lo equivalente a diez vidas en su corta vida. Hizo muchas cosas, muchas cosas extraordinarias. Era increíble. Creo que podemos tener por cierto, particularmente en el caso de Hedges, de que no hubo nada que no tuviera la chance de hacer. Me hizo pensar, hasta cierto punto, que él sabía que iba a morir pronto. Pudo haber vivido mucho más, de eso no hay duda.
Estas muertes inoportunas te hicieron valorar más tu vida.
MM: ¡Buena pregunta! Creo que me gustaría creer que todo lo que ha sucedido lleva a valorar más la vida. A estar más despierto para realmente apreciar cuán valiosa es la vida.
De hecho fue el haber escuchado lo que hiciste en “Drastic Measures”, éste disco y “Thonk” lo que me hizo finalmente tomar coraje para intentar tocar el bajo fretless. Fue una idea aterrorizadora dado el nivel de precisión necesario para tocar fretless. Es un instrumento impiadoso para quienes lo encaran a la ligera.
MM: Claro que sí. Tienes un margen de error de un milímetro y nada más.
¿Cómo te la arreglas para mantener constante la afinación? En un contexto en vivo, ¿es cuestión de apuntarle ciertas luces al bajo o estás tan cómodo que la iluminación no importa?
MM: Esa es una buena pregunta que nunca nadie me había hecho. Tienes razón, es necesario ver bien y las luces sobre el escenario son algo muy importante. He tratado de requerir una cantidad adecuada de luz sobre el escenario, pero sin mucha suerte.
Bueno, Greg Lake solía tocar descalzo sobre una alfombra importada para relajarse y concentrarse durante sus conciertos. ¿Por qué no armar algo con una buena luz? De esa manera no tendrías problemas para ver.
Para aquellos que nos hemos preguntado miles de veces si el camino a seguir es una educación formal en un lugar como BIT o el autodidactismo, parece cantado que Michael Manring, uno de los mejores bajistas contemporáneos y “héroe del bajo” para varias decenas de miles de bajistas, podría tener una respuesta clara y precisa
MM: Bueno, fui a Berklee por alrededor de siete meses, pero me considero en gran medida autodidacta. Más o menos como todo el mundo, me salió un trabajo, me fui de gira y no volví. De hecho me arrepiento en parte. En cierta forma siempre he querido volver y aprender más. Es que hay mucho para aprender sobre la música. Armonía, composición y la música de diferentes culturas y tantos compositores brillantes. Es mi sueño, en algún punto de mi vida, volver a un ambiente más académico.
Eras muy amigo del brillante guitarrista Michael Hedges. ¿Su súbita muerte todavía te afecta?
MM: ¡Dios! Creo que algunos no sabían cuán amigos éramos. Empecé a tocar con Michael cuando tenía 18 años. Prácticamente crecí tocando con él. Antes de que los dos tuviéramos nuestros respectivos contratos, tocábamos por 50 dólares y dormíamos en la parte de atrás de su camioneta. Era un gran amigo y lo admiraba mucho. Era un ser humano extraordinario.
¿Y un músico extraordinario?
MM: Sí, pero más como ser humano que como músico. Creo que podría decir que siempre que estuve cerca suyo ocurrían cosas extraordinarias. Cosas que desafiaban la lógica a veces. Michael estaba realmente en contacto con algo. A menudo me preocupaba que algo le sucediera porque siempre vivió muy en el límite. ¡Se arriesgaba mucho!
¿Se arriesgaba físicamente, como Jaco?
MM: ¡Había muchas similitudes entre ellos! Y créeme que he hecho mucha introspección. También estudié de Jaco.
¿En serio?
MM: Sí, porque también fue una figura importante en mi vida. No tuve una amistad con él, fue más una relación estrictamente de profesor a alumno. No pasé mucho tiempo con él.
Hoy en día es bien sabido que Jaco realmente no fue siempre responsable de su conducta “bipolar”, siendo maníaco depresivo. Su enfermedad fue fuente de un gran genio musical, pero le costó muchos amigos también.
MM: Sí, era maníaco depresivo.
Y además tampoco eligió usar litio ni otros modificadores del ánimo.
MM: Bueno, la historia de Jaco es muy complicada, muy trágica.
¿¿Te molesta hablar de ello??
MM: No, no me molesta porque me pasé mucho tiempo tratando de procesarlo mentalmente. Esta gente eran mis héroes. Jaco, Michael y mi padre. Lo de Jaco fue tan trágico más que nada porque era muy autodestructivo. Mucha gente ofreció ayudarlo y lo hospitalizaron un par de veces. Hubo gente que hasta se alegraba de hacerlo hospitalizar par tratar de mejorarle un poco la vida. Pero estaba realmente decidido a destruirse a sí mismo. Michael Hedges, también, vivió lo equivalente a diez vidas en su corta vida. Hizo muchas cosas, muchas cosas extraordinarias. Era increíble. Creo que podemos tener por cierto, particularmente en el caso de Hedges, de que no hubo nada que no tuviera la chance de hacer. Me hizo pensar, hasta cierto punto, que él sabía que iba a morir pronto. Pudo haber vivido mucho más, de eso no hay duda.
Estas muertes inoportunas te hicieron valorar más tu vida.
MM: ¡Buena pregunta! Creo que me gustaría creer que todo lo que ha sucedido lleva a valorar más la vida. A estar más despierto para realmente apreciar cuán valiosa es la vida.
De hecho fue el haber escuchado lo que hiciste en “Drastic Measures”, éste disco y “Thonk” lo que me hizo finalmente tomar coraje para intentar tocar el bajo fretless. Fue una idea aterrorizadora dado el nivel de precisión necesario para tocar fretless. Es un instrumento impiadoso para quienes lo encaran a la ligera.
MM: Claro que sí. Tienes un margen de error de un milímetro y nada más.
¿Cómo te la arreglas para mantener constante la afinación? En un contexto en vivo, ¿es cuestión de apuntarle ciertas luces al bajo o estás tan cómodo que la iluminación no importa?
MM: Esa es una buena pregunta que nunca nadie me había hecho. Tienes razón, es necesario ver bien y las luces sobre el escenario son algo muy importante. He tratado de requerir una cantidad adecuada de luz sobre el escenario, pero sin mucha suerte.
Bueno, Greg Lake solía tocar descalzo sobre una alfombra importada para relajarse y concentrarse durante sus conciertos. ¿Por qué no armar algo con una buena luz? De esa manera no tendrías problemas para ver.
lunes, 5 de febrero de 2007
SEAN BIENVENIDOS
Sean bienvenidos a la república independiente para el groove. Ofrecemos disculpas pues hemos tenido dificultades con nuestro blog. ¡Ya estamos de vuelta! Les invitamos a visitar la página oficial del guitarrista Alex Skolnick en:
http://www.alexskolnick.com/index.asp
http://www.alexskolnick.com/index.asp
Cerca de ocho minutos de mini conferencia con este guitarrista y una muestra de su técnica en la guitarra eléctrica, puede verse en:
Un breve pero emotivo video del Skolnick trío video está en:
Uno de nuestros bajistas favoritos y también favorito de Skolnick, puede contemplarse en una bella intervención solista en:
¡Seguiremos adelante con nuestras búsquedas de esencia groove! (pero no hay duda: queremos la compañía de ustedes...¡ciudadadanos de la república independiente!
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